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3Ocio y + Un título en jerga militar, indicando las 0:30 de la madrugada, instante en el que los SEAL de la marina estadounidense pusieron pie en los terrenos de la residencia donde se escondía Bin Laden, para una película que busca poner blanco sobre negro, basta ver su cartel, sobre la historia y avatares de una búsqueda, dramática y comprometida, que duró diez años y dos administraciones. En sus dos horas y media de duración se maneja mucha información pero el planteamiento del guión, la férrea ejecución de dirección y el espectacular montaje resultan en una obra entretenida que muestra, de una forma educativa e informativa, el drama natural de los implicados y afectados valiéndose de la mediación de un reparto que aporta cierta humanidad a los hombres y mujeres de los servicios de inteligencia que trabajaron en esa larga, árida, detallista, y cambiante, búsqueda. Si bien todos los personajes están basados en personas reales, la decisión creativa de contar la historia a través de los ojos de Maya, además de reafirmar que estamos ante una película y no un documental, vertebra una manera interesante de llevar de la mano al espectador entre bambalinas para que vea lo que significa ser agente de la CIA desde el principio del proceso y a través de todas las etapas de una historia hasta cierto punto detectivesca en el conjunto de una narración que a pesar de saber su final consigue mantener el interés e incluso multiplica nuestra atención cuando los intensificadores de luz hacen su aparición. Maya personaje agente y Bigelow persona directora, dos mujeres de carácter que viven su profesión en tierra hostil. Cine LA NOCHE MÁS OSCURA Dirección: Kathryn Bigelow, 2012 Haneke es un director ascético y conceptual que hace del tratamiento de la violencia fuera de campo la piedra angular de sus películas, algunas de las cuales están entre las más desagradables de contemplar jamás filmadas. Enemigo del tratamiento frívolo de la violencia en la ficción firma en Amor, aparentemente una cinta de corte convencional, una de las secuencias más poderosas y duras de su filmografía (quedé tan ‘tocado’ al terminar la proyección que no dudé en ver Django desencadenado, de Quentín Tarantino, en un vano intento de contrarrestar la afectación emocional sufrida). Haneke ha recreado el apartamento de la pareja protagonista basándose en el de sus padres en Viena y aplicando sistemáticamente la sencilla regla cinematográfica de ‘cuánto más largo es el plano, más absorbente es la escena’ consigue la inmersión total del espectador en el piso para, huyendo de la sensiblería, lograr el milagro de hacer visible un amor que sin expresarse por boca de los personajes se topa con el dolor en el nivel más íntimo, todo ello con un huevo duro sin sal como desencadenante y el fondo sonoro del seguimiento de la prima de riesgo en las noticias. Haneke: “No soy un moralista pero, por otra parte, creo que respetar al público, tratar al público como adulto es un problema de moral. No me gusta tratar al espectador como si fueran más estúpidos que yo. Y eso es una postura moral. Al menos no es una postura cínica. Tampoco hago películas para que el espectador sufra. Si sufre quizás tenga sus razones". AMOR Dirección: Michael Haneke, 2012 Atanasio Carpena Martín E¿Por qué es famoso el valle de Gistaín (o Chistau) para la mayoría de nosotros? Todo empezó como una broma, cuando en un bar de Plan estaban viendo una película: “caravana de mujeres”. Entonces alguien insinuó ¿Por qué no hacer lo mismo para nuestro valle? Y así comenzó la aventura de “la caravana de Plan”. Son muchos los parajes privilegiados de la naturaleza, que no lo son tanto de cara a nuestra sociedad. El principal motivo es lo alejados que se encuentran estos parajes de las principales ciudades o incluso de cualquier lugar. Esto es lo que ocurre con el valle de Gistaín y eso lo convierte en uno de los valles con más encanto del Pirineo. No quiero decir con ello que otros valles pirenaicos carezcan de belleza, sino que ciertas instalaciones turísticas e industriales han podido alterar el entorno, privando al paisaje de su encanto natural. A pesar de todo, no vayamos a pensar que en el valle de Gistaín nos vamos a encontrar un paisaje virgen de todo avance tecnológico. Por decir algo, hay mejor cobertura de móvil que en mi calle de Zaragoza y ello es posible a la existencia de las correspondientes antenas. Además hay unos paneles reflectores, de no sé qué señal del espectro radioeléctrico, diseminados por la montaña. Esto no llegué a estudiarlo en la carrera pero me contaron que fue Telefónica la que los instaló hace más de 30 años. Sin embargo, se nota que las laderas están explotadas de forma diferente a como lo están es otros valles. Existen multitud de bordas en uso que jalonan los campos e incluso, muchas de ellas están acondicionadas para habitar en ellas. Los habitantes del valle han continuado la costumbre de no volver a los pueblos por la noche sino de quedarse allí, me imagino que no lo hacen por necesidad sino por el cariño a su montaña. Esto es lo que hacía Lucas, un chaval de 19 años al que le encantaba subir a la borda y quedarse viendo las estrellas por la noche. Por supuesto que no me lo contó él sino su abuela, Rosa, la dueña de la casa rural (Casa Torres) donde nos hospedamos; que nos acogió de maravilla y con la que compartimos unos entrañables ratos de conversación. Siempre que vayamos por estos lugares es recomendable hablar con la gente de por allí ya que ellos saben, mejor que nadie, contarnos las cosas de sus tierras. Nosotros, que íbamos con niños, hicimos una excursión muy sencilla, pero que es imprescindible a quien visita el valle. Fuimos de San Juan de Plan a Plan y de allí subimos a Gistaín para bajar de nuevo a San Juan de Plan pasando por el puente de pecadores con una altura de 50 metros y una anchura de 1 o 2 metros (impresionante). Pero hay muchas otras excursiones que hacer, dependiendo del tiempo de que dispongamos y de las fuerzas que tengamos. Excursión OS ACORDÁIS DE LA CARAVANA DE PLAN Julián Fernández Navajas 81 Wagner y Verdi, los dos colosos de la ópera, están presentes durante este año 2013 en los numerosos conciertos y conmemoraciones celebrados en su recuerdo. Ambos compositores nacieron en 1813, lo que permite festejar un doble bicentenario muy atractivo para las celebraciones. Ambos coinciden también en su dedicación prioritaria a la ópera y en ser los grandes representantes de cada uno de sus dos estilos. Más allá de las coincidencias, estos dos auténticos genios resultan muy diferentes, tanto en sus estilos musicales como en la forma de sus propias vidas. Wagner, un hombre arisco y aventurero, presenta en sus principales óperas a héroes mitológicos y a superhombres, mientras que Verdi, un hombre entrañable y popular, comprometido socialmente, trata en sus óperas, sobre todo, de las pasiones humanas. La rivalidad que pudo haber en su época entre estos dos grandes compositores de ópera, se trasladó después a sus seguidores con mayor fuerza y todavía hoy rivalizan ambas aficiones, lo que aporta mayor entusiasmo a la celebración. Mucho se puede escribir sobre la vida y la obra de ambos compositores, pero vamos a comenzar con Wagner, dejando a Verdi para una próxima cita de 2013. Richard Wagner es un personaje clave en la historia de la música por la renovación que introdujo en la ópera, pero, sobre todo, por sus nuevos conceptos sobre la música. Puede decirse que reinventó la ópera como drama musical, integrando drama, música, canción, poesía y artes plásticas, en lo que él llamó Gesamtkunstwerk. La propia personalidad de Wagner influyó sobre su creación musical. Su proyección intelectual, con ensayos literarios y filosóficos, le permitió desarrollar sus óperas en un contexto culto y con frecuencia mitológico, como ocurre en su famosa tetralogía del Anillo, que incluye El Oro del Rin, la Valquiria, Sigfrido y El Crepúsculo de los Dioses. El Anillo de los Nibelungos constituye la obra cumbre de Wagner. Se trata de una ópera de enormes proporciones, con casi quince horas de duración, que presenta gran dificultad de representación, lo que sugirió a Wagner la creación de su propio teatro, el Feltspielhaus de Bayreuth. Ello le permitió escenificar, bajo su dirección, la ópera completa, ya que su teatro se ajusta a las exigencias escenográficas del Anillo. Sin embargo, la importancia de esta monumental ópera no oculta la grandeza de otras obras de Wagner, más accesibles para su representación y su difusión. Además de sus trece óperas, casi todas muy conocidas y muy representadas en la actualidad, contamos con otras treinta obras suyas con un carácter orquestal o instrumental. Con el fin de hacer una recomendación concreta sobre la música de Wagner, hemos elegido una grabación digital que incluye fragmentos de óperas de menor dimensión, como son Tannhäuser, Tristan e Isolda y los Maestros Cantores de Nüremberg, todas ellas interpretadas por la Filarmónica de Berlín, dirigida por Herbert von Karajan. EL DOBLE BICENTENARIO 3 El rincón de la música clásica 82 3Ocio y + J.M. Martínez Adrados ESTAMOS ABIERTOS A TUS COLABORACIONES Aquí cabemos todos, solo... ponte en cola ES TU REVISTA Enviar ofertas e ideas a: [email protected] serán estudiadas, según el espacio y las normas de edición en activo A.C. NEWMAN Y LOS NEW PORNOGRAPHERS Tecnología y buena música pop contemporánea Sebastián Muriel Retomo esta sección después de un largo paréntesis. Tecnología y buena música pop contemporánea volverán a tener su hueco aquí en el BIT (gracias, Amaia). Trataré de traer a estas páginas algunas recomendaciones de música “para todos los públicos”, y que - los ya iniciados - podrán además disfrutar en las listas que intentaré mantener actualizadas en mi blog: http://sebasmuriel.es/listas-spotify/ Así, además de leer, podremos ver y escuchar de lo que aparezca en estas páginas. Como si estuviéramos en el año 2013 ;) En esta ocasión me he decidido a empezar comentando el último vinilo que me he comprado (sí, además de consumir activamente en Internet, sigo comprando mucha música de la que se puede oler y tocar). Fue hace sólo algunas semanas, en un evento de The App Date, al amigo Martín, del colectivo @tuppervinyl, y que pagué con tarjeta de crédito utilizando tecnología iZettle (muy recomendable, por cierto). Hablamos de uno de mis discos favoritos del año 2012, el del compositor canadiense Allan Carl Newman. A.C. Newman es el líder de The New Pornographers, un grupo de indie rock canadiense en el que todos sus componentes son músicos reconocidos, y con actividad en otras bandas paralelas (como por ejemplo Destroyer o Swan Lake). Músico muy prolífico, Newman se inició allá por 1990 en Vancouver y, además de firmar desde el año 2000 casi todas las canciones de The New Pornographers, ha publicado ya tres discos como solista (el primero en 2004). Este Shut Down The Streets (2012) es, según el propio autor, “it’s all about birth, death, happiness and sadness, chronicling a time in my life where all those things had to learn to coexist side by side.” Que es uno de los discos más reconocidos del año pasado no lo digo sólo yo. En uno de mis blogs favoritos de música, jenesaispop, lo dicen mucho mejor: “A.C. Newman ha grabado uno de los discos más bonitos de este 2012. Pero bonito (...) desde la sencillez y el trabajo de orfebre de unas melodías delicadas, de unos arreglos cuidados al máximo, de unas armonías que no buscan quedarse en lo obvio sino aportar su granito de arena. La belleza de artesanos del pop como Carole King, Todd Rundgren o Stuart Murdoch.“ Para los que no los conozcan, obviamente igual de recomendables son los cinco discos de estudio de The New Pornographers. Quizás mis tres favoritos son Electric Version (2003), Twin Cinema (2005) y Challengers (2007), aunque a los que saben de verdad de esto les gusta también mucho su primer LP (Mass Romantic fue según Blender uno de los mejores discos Indies de todos los tiempos). Y otro de mis imprescindibles es Kaputt, el disco que editaron en 2011 Destroyer (side-project de otro de los componentes de The New Pornographers) Y es que seguramente muchos lectores no han prestado a Canadá la atención que musicalmente merece. Este país está dando últimamente muy buenos grupos de rock (como por ejemplo Broken Social Scene, o Arcade Fire), y también artistas sobresalientes en la mejor electrónica (como Caribou o Crystal Castles). En el siguiente número de BIT seguiremos hablando de más música. 3 Vinos No voy a hablar de sangrías ni de tintos de verano, aunque tampoco desprecio esas formas populares de refrescarse con bebidas rebajadas y edulcoradas o, mejor aún para mi gusto, sin edulcorar, como los blancos y tintos con sifón de los merenderos junto al Manzanares de mi juventud. Lo que defiendo es que unos buenos sorbos de un vino adecuado y bien enfriado, no necesitan de mezclas para darnos la mejor compañía en mañanas, tardes o noches de calor. Acabo de indicar ya las dos condiciones básicas: elegir el vino y mantenerlo frío. Lo primero apunta a vinos ligeros en la boca, y con aromas volátiles que se abran bien al beberse a baja temperatura. Pueden buscarse estas características en algunos tintos jóvenes, pero será más fácil encontrarlas en blancos y rosados, no muy alcohólicos y preferiblemente del año. Los rosados merecen aquí una consideración especial: el verano es su mejor época. Un buen rosado permite combinar el gusto de los hollejos de uvas negras (los que dan color y sabor a un vino tinto) con la ligereza de una fermentación sin ellos (como se hace con los blancos). Los enemigos (que los hay) de estos vinos los acusan de no ser una cosa ni otra, pero ¿acaso no puede tener su personalidad un mestizaje? También es el momento de los espumosos naturales, como los cavas. Nunca he entendido por qué se asocia más con la Navidad que con el verano una bebida tan refrescante. Como intentan publicitar sus productores, se trata de vinos que pueden acompañar toda una comida y, diría yo, mejor de aperitivo que de postre, con el cosquilleo de las burbujas (cuanto más finas mejor) como estimulante. La segunda condición, el enfriado, se inicia fácilmente en el frigorífico, y puede continuar con la botella en cubo de agua con hielo mientras se va sirviendo poco a poco en las copas. Suelen recomendarse temperaturas de 6 a 8 grados, explicando que con fríos mayores se pierde algo de olfato. Cierto, pero para aromas ligeros la pérdida no es tan grave y, según gustos, puede compensarse con el placer de un choque helado en la boca. Felices vinos veraniegos. VINOS VERANIEGOS Manolo Gamella Miguel G Palomo ha recuperado los dibujos que los aborígenes canarios utilizaban para decorar su cuerpo, como inspiración para crear un pasatiempo basado en la lógica matemática que se puede descargar en Internet. Este ingeniero de telecomunicación madrileño es gran aficionado a los rompecabezas matemáticos, y en este “sudoku canario” nos propone resolver un puzle que, a diferencia del célebre sudoku, parte de una estructura triangular, que contiene a su vez triángulos menores, que se agrupan en las tiras que señalan las flechas. Dos tiras con la misma letra forman pareja, teniendo que contener cada dúo todos los números del 1 al 16. Miguel Palomo recomienda imprimir el juego para poder hacer apuntes. Por supuesto hay niveles de dificultad que permiten avanzar de los más fáciles a los más complejos. Su creador los actualiza en la página web www.canario.miguelpalomo.com El Juego Canario se dirige a todos aquellos a los que les apasionan los rompecabezas de lógica y para aquellos que quieran entrenar el razonamiento y la concentración. Según Palomo el juego “comparte muchos aspectos con el sudoku pero la experiencias de las filas inclinadas les resulta más estimulante”. Para crear este sudoku triangular, este ingeniero de telecomunicación se inspiró en antiguas pinturas guanches denominadas “pintaderas”. De ahí su nombre oficial: “El juego canario”. No son sus primeras propuestas, Palomo es también creador de otros juegos de lógica como Moshaiku (que combina poesía y visualización) y el Konseku, (basado en la idea de los números consecutivos). Así que ¿listos? Cojan un papel, lápiz y quizá una goma de borrar. EL TELECO MIGUEL G PALOMO DISEÑA EL SUDOKU CANARIO

3Ocio y + Cuentan los directores, Andy y Lana conocidos por la desmedida saga Matrix, Tom por la detallista y sensorial El perfume (2006), que todo empezó como una broma que evolucionó tomando la forma de un recordatorio de aquellas películas que les habían fascinado una y otra vez, películas que les hacían ir al cine, pantalla grande, y que mantenían la cercanía al día a día, a las personas, con drama, comedia, amor sin exclusiones, política, filosofía, acción, mucha acción, ambientada en el pasado, el presente y el futuro, sin exclusión de géneros. Todo ello no les parecía más que una fantasía hasta que se toparon con la novela homónima de David Mitchell y pasaron a la acción usando a todo el reparto en múltiples papeles diferentes, en edades diferentes, en razas diferentes y hasta en sexos diferentes pero de modo que cada personaje hereda las consecuencias de su vida. También cuentan que tuvieron serios problemas para iniciar su producción porque así planteada es una película difícil de vender, difícil de describir y difícil de resumir. Afortunadamente vencieron todas estas dificultadas y una vez visto el resultado en pantalla grande, aunque a veces uno se despiste en la trama, el poder visual de las imágenes prevalece indemne, el metraje acaba pasando en un suspiro y hasta sabe mal que acabe. oCine EL ATLAS DE LAS NUBES Dirección: Tom Tykwer, Andy y Lana Wachowski, 2012 En los últimos días, entre los urbanitas barceloneses como muestra representativa mundial, se ha desarrollado un pánico irracional a salir al exterior que provoca una agónica muerte en minutos, por lo que la gente ha acabado encerrada en los edificios y solo unos pocos se atreven a desplazarse aprovechando los espacios cerrados metropolitanos. Los hermanos Pastor presentan, con una logística de producción ambiciosa y cuidada, un relato apocalíptico de mundos en reclusión y personajes en desconcierto absoluto que se desarrolla en espacios cerrados inquietantes, alcantarillas y túneles, y se sustenta en apuntes exteriores poblados de coches abandonados y animales que campan a sus anchas por las calles. Si bien la vertiente técnico-artística mantiene un nivel constante, la trama argumental sufre altibajos, en parte inherentes al género, en parte debido a que los directores son también los guionistas, pero cuando José Coronado se planta en la butaca del abandonado Palau del Cinema de Vía Layetana y el protagonista se lanza épicamente al exterior para cruzar a la otra “orilla” sufriendo lo indecible al pasar junto a la entrada de una emblemática “caixa” autóctona cualquier desliz argumental anterior queda condonado: de lo primitivo a lo psicológico, del desconcierto a la esperanza, del caos a un atisbo de luz, cuando el mundo se acaba aún queda la esperanza. LOS ÚLTIMOS DÍAS Dirección: David y Àlex Pastor, 2013 OBLIVION Dirección: Joseph Kosinski, 2013 Para los angloparlantes la palabra “oblivion” significa olvido. En filosofía, es el concepto por el que el individuo experimenta un estado de permanente "no existencia" después de la muerte, negando completamente que exista una "Vida después de la muerte" o todo rastro de conciencia o existencia. Para Joseph Kosinski es un ejercicio clásico de ciencia ficción en el que prima la sencillez narrativa montada sobre un cuidado diseño de producción y afianzada con unos efectos visuales de altura que dan alas a la visión del mundo oscuro en que se ha convertido una Tierra futura y devastada después de una cruenta guerra con una especie invasora. Kosinski se redime del agotamiento visual por apabullamiento de su anterior propuesta, Tron: Legacy (2010), y con la complicidad convincente de un Tom Cruise en el personaje del técnico superviviente que revisa y mantiene los drones que vigilan lo que queda del planeta nos lleva de la mano por un agradecido viaje referencial a otras películas del género entre las que cabe destacar, y de paso recomendar, Moon (2009), de Duncan Jones, en el trasfondo argumental y Star Trek - La película (1979), de Robert Wise, en la resolución final. Atanasio Carpena Martín ¿Por qué es famosa Peñíscola? Voy a dejar que sea cada uno quién se responda… y ahora pregunto: ¿Por qué es famosa Illueca? Tal vez los illuecanos nos dieran múltiples y variadas respuestas pero yo voy a resumirlas en dos: Aquí nació Benedicto XIII (el papa Luna) y aquí se fabrica calzado. El motivo por el cuál nos vamos de excursión a Illueca es obviamente el primero aunque en mi caso no quisimos irnos sin haberle comprado unos zapatos a la pequeña; qué se le va a hacer, el turismo tiene también una componente de consumo. Pienso que para muchos es conocida la relación entre Peñíscola y el Papa Luna pero pocos lo relacionarían con Illueca. Es difícil competir contra un peñón que aparece en los libros de texto desde nuestra más tierna infancia o con unos agradables días de sol y playa para disfrutar de nuestras merecidas vacaciones. En todo caso, para situar Illueca debemos saber que se encuentra a la vera del Moncayo y eso ya nos empieza a sonar a todos. Para llegar se puede ir por la A-2 y estar atentos al desvío que hay entre Calatayud y La Almunia de Doña Godina. Por lo demás, está todo muy bien indicado. Volvamos a la narración. Precisamente aquí es donde nació D. Pedró de Luna, el que fuera elegido papa en Avignon. Aquí es donde se retiraba a descansar y desde donde escribió parte de la correspondencia que de él se conserva. Y lo más importante es que nunca dejo de estar vinculado a su pueblo natal. De hecho, fue en Illueca donde se trasladaron sus restos mortales y se expusieron a todos los que acudían a honrar su memoria. Aunque también aquí es donde fue olvidado y sus restos profanados en el siglo XIX por las tropas francesas y arrojados al río. Después de este funesto episodio, sólo pudo recuperarse su cráneo que de nuevo fue a para al castillo. Ya en el año 2000, unos extorsionadores, gamberros o lo que fuera, lo robaron y pidieron un rescate por él. Por suerte pudo ser recuperado aunque ahora se custodia en el museo provincial de Zaragoza a la espera de encontrarle mejor acomodo. Además del castillo del papa Luna, hay muchos otros lugares que visitar en la comarca, compuesta de una docena de pueblos donde hay otros castillos, monasterios, ermitas antiguas que albergan tallas de gran valor, yacimientos celtíberos y un largo etcétera. Por ello es interesante acudir a la zona dispuesto a pasar varios días. Todo está bastante cuidado y demuestra el interés que se tiene en fomentar el turismo cultural. He de reconocer que nosotros pudimos beneficiarnos de una de esas ofertas que hay en Internet; así que podéis probar suerte. Además, existe un bono que te permite visitar varios monumentos de la comarca por un precio de risa, de lo cual te informan debidamente en la oficina de turismo. Ocio y + 3 oExcursión ILLUECA, LA PEÑÍSCOLA DEL MONCAYO Julián Fernández Navajas 83 3 oVinos El paso durante meses (a veces años) por barricas es actualmente un estándar para la crianza de vinos, pero es bueno preguntarse el porqué de esta práctica. Sin duda el uso de toneles se inició (desde la antigua Roma, si no antes) como forma de transportar y guardar líquidos en competencia con ánforas o pellejos, pero pronto debió observarse que el contacto con el recipiente de madera producía cambios que, adecuadamente administrados, podían resultar beneficiosos para las características de los vinos. Hay dos clases de razones que explican estos cambios: la aportación de sustancias aromáticas de la madera al vino, y la oxidación suave (microoxidación) a través de los poros de la madera. La madera de roble, europeo o americano, es el material generalmente utilizado (salvo raras excepciones) para las barricas. Por sí misma comunica a los vinos taninos suaves y ciertos gustos que pueden recordar a las bellotas, a resinas balsámicas, y a algunas especias (vainilla, clavo…). Además el proceso de fabricación de las barricas incluye el calentamiento por fuego (“quemado”) para doblar sus tablas (duelas), lo que da lugar a aromas que sugieren ahumados, tabaco, café torrefacto, cacao…, más acusados en los robles europeos (como los franceses de Allier o Limousin) por su mayor sensibilidad al tueste. Estas aportaciones se añaden a los aromas básicos de la uva y de la fermentación, tanto más cuanto mayor sea el tiempo de encubado y cuanto más nuevas sean las barricas. La valoración de las proporciones entre estos tipos de aromas es algo personal, aunque influyen también las modas. Muchos vinos clásicos resaltaban más sus maderas que los actuales. El roble europeo (más caro) tiene poros más finos que el americano, haciendo que en los vinos tintos la microoxidación por el aire difundido afecte poco a los compuestos aromáticos del vino, sin dejar de actuar sobre los taninos más astringentes dulcificándolos, y de paso sobre los colorantes naturales virándolos de los tonos amoratados (jóvenes) hacia los rojos, naranja o teja. Hay quien lleva la afición por la madera al extremo de macerar el vino con virutas durante la crianza, mientras que, por el otro bando, se experimenta con recipientes cerámicos porosos (terracotas) para facilitar la oxidación suave evitando enteramente el roble. Cuestión de gustos, ya digo. MADERAS Manolo Gamella

LA PASIÓN EN LA ÓPERA DE VERDI. El rincón de la música clásica. J.M. Martínez Adrados. Hablábamos sobre Wagner, en el artículo anterior del Rincón de la Música, con motivo del doble centenario celebrado en 2013 en común con Verdi, al que dedicaremos hoy estas líneas. Richard Wagner y Giuseppe Verdi son dos colosos de la ópera, con una coincidencia simbólica en sus vidas y con dos estilos operísticos casi antagónicos, que han tenido enorme influencia en su época y en el desarrollo posterior de la música. Verdi es el gran representante de la ópera italiana y también, en cierto modo, de la política italiana de una época convulsa, en la que se implicó por completo. Pero Verdi es, ante todo, el símbolo de la pasión de los seres humanos trasladada a la música y a los escenarios de la ópera. Se le consideraba un músico enormemente apasionado y esa pasión es la que solemos encontrar en muchas obras de su prolífica producción. Así pues, a diferencia de Wagner y de sus colosales visiones mitológicas, Verdi nos muestra siempre la vertiente humana del mundo, por lo que ha sido definido en ocasiones como el músico de la vida. Verdi retrata en cada obra, con gran precisión, las grandezas y las miserias de la condición humana, junto con sus contradicciones. De origen humilde, Verdi superó tiempos difíciles hasta estrenar su primera ópera, Rocester, que no tendría éxito. Sin embargo, poco después lograría el reconocimiento con su ópera Nabucco, que tuvo gran repercusión en Italia por su simbolismo y supuso el inicio de una dilatada carrera de éxitos. Verdi compuso en tota 28 óperas, así como otras obras vocales, entre las que destaca su famosa Misa de Requiem. También creó algunas composiciones instrumentales, menos conocidas en la actualidad. Después del éxito de Nabucco, en una primera etapa destacan las óperas Macbeth y Ernani, también con contenido político. En una segunda etapa de madurez se hallan obras más refinadas, como Rigoletto y La Traviata, con una gran carga emocional, y posteriormente Aida, otro de sus grandes éxitos. Ya en sus últimos años, Verdi volvió a Shakespeare, con obras como Otelo y Falstaff, que cerraron su enorme producción. Dentro y fuera de la creación musical, Verdi llevó a cabo una importante actividad social y política. Su colaboración en obras benéficas fue material, mientras que su participación política fue más bien ética y de liderazgo intelectual, llegando a ser elegido miembro del primer parlamento italiano, después de la unificación de 1860.Para hacer una recomendación concreta sobre el catálogo musical de Verdi, existen gran número de grabaciones disponibles. Hemos preferido elegir una referencia muy significativa, pues se trata de una de sus óperas más populares, Aida. La versión elegida cuenta, además, con la interpretación de dos grandes figuras españolas, Montserrat Caballé y Plácido Domingo, y está dirigida por Riccardo Muti, uno de más reconocidos intérpretes de la obra de Verdi.VIVIR ES FÁCIL CON LOS OJOS CERRADOS Dirección: David Trueba, 2013. Cine Atanasio Carpena Martín. Al volante de un SEAT 850 verde esperanza, un profesor de inglés que utiliza las letras de John Lennon como material didáctico en sus clases se escapa hasta Almería con la intención de entrevistarse allí con él, aprovechando el rodaje de “Cómo gané la guerra” (1967, Richard Lester), para que le aclare los vacíos y las dudas que pueblan su cuaderno de letras, sacadas de oído. Por el camino recoge a una joven embarazada escapada de un centro redentor de madres solteras y a un joven que huye de la presión familiar canalizada hacia el corte de pelo. David Trueba compone una película llena de sutil sensibilidad en la que unos personajes con representativas carencias se ayudan unos a otros y en la que de manera sencilla y natural proyecta su admiración para con la generación española de los 60 que con bondad e ilusión buscó el sol en aquella época de oscuridad. El profesor no es un fan que va a ver a su estrella, sino un hombre que va a decirle a un joven que lo que él hace con su música es muy útil para quienes la escuchan. No es casualidad que a partir de 1966 los discos de The Beatles incluyeran las letras si bien pinta casual el oportuno homenaje a Manolo Escobar. Excursión. LLANES, ASOMÁNDONOS AL MAR Julián Fernández Navajas. La localidad de Llanes es una preciosa población costera de Asturias. Y como todo el litoral asturiano tiene el encanto de mostrarnos cómo la montaña con sus verdes prados se arroja al mar. Y además de las rocas de los acantilados tiene de esas piedras colocadas y recolocadas por el hombre a través de muchos años de historia que tanto nos gustan a los amantes de la cultura. Como sabéis, yo no estoy aquí para enseñaros cultura sino para compartirla con vosotros a través de las excursiones. Por eso lo mejor que puedo hacer es ir contándoos todo lo que pudimos vivir allí En primer lugar, el momento en que visitamos Llanes era a primeros de agosto, en vísperas de las fiestas patronales de San Roque. Esto hizo que a todos los encantos habituales se sumaran los de la algarabía en las calles, los mercados (uno medieval y otro de feria, si no recuerdo mal). También se juntó que hacía un hermoso día de playa (que en Asturias, a veces son escasos). Podía respirarse el olor a fiesta, a vacaciones. Incluso nos tocó la salida de misa de la novena al santo. Gente arreglada que terminó de dar la pincelada perfecta de colorido a todo el escenario que se presentaba ante nosotros. Podéis comprobar que fue muy especial el recuerdo que guardo de aquel momento. Sin embargo es posible que cuando vayamos no confluyan toda esta suerte de circunstancias. Pero no por ello dejaré de recomendaros la visita. Pasear por sus calles, bordear sus murallas, visitar sus playas,… Por ejemplo, no hay que dejar de subir al fuerte que hay sobre el mar y desde el cual se tiene una hermosa vista de la villa, de la costa y de las montañas. Ni que decir tiene que no hay que perderse la visita al puerto pesquero y al deportivo; todo un ejemplo de pueblo del cantábrico. Sé que me dejo muchos lugares más, muchos rincones maravillosos pero sería extenderme demasiado y lo que quiero es incitaros a que seáis vosotros los que vayáis. Para terminar voy a ser políticamente incorrecto. Y es que en el espigón, había un montón de grandes bloques de cemento pintados. No sé a quién se le habría ocurrido esa brillante idea pero lo grave es que pretendían con ello dar una seña de identidad a Llanes. Me di cuenta porque aparecía en carteles publicitando la ciudad. ¡Cómo si Llanes lo necesitara! Y encima habrá costado una pasta. En fin, a ver si nos vemos en Llanes, ahora que parece que la autovía estará terminada para el año que viene y podrá irse por todo el litoral, desde Bilbao a Gijón, de forma cómoda.. GRAVITY Dirección: Alfonso Cuarón, 2013. Intuyo que la sensación de visionar Gravity de los Cuarón, padre director e hijo co-guionista, en 3D desde la primera fila es equiparable a la que tuvieron los espectadores que veían en 1895 acercarse al tren de los hermanos Lumière. En aquella ocasión hubo espectadores que salieron escopeteados de la sala; aquí y ahora, entre palomitas y móviles de última generación, al salir tras la proyección algunos comentarios despistados sobre que no se entiende nada o eruditos sobre cómo la ficticia falta de gravedad falla en la cabellera de la protagonista. Por mi parte, el reconocimiento de haber visto algo sublime y novedoso así como, en estos tiempos de efímera comercialidad y sobrecargada efectividad, el agradecimiento por haber optado por la percepción sensorial al filmar un visual paseo espacial de 90 minutos en hipnóticos planos secuencia, el inicial dura más de 15 minutos, que revierten el protagonismo en las imágenes y las situaciones más que en los actores, unos protagonistas que si bien aparecen eclipsados por el poder de la imagen, el 3D y el sonido ambiente están bien presentes para la identificación personal y parapetados tras un magnífico doblaje que realza con su vocalización el atisbo de la esperanza, ¡Aquí, estoy aquí!, la constatación del desespero, ¡Odio el espacio!, o cómo en la penumbra de un callejón sin salida aparente se evoluciona desde el hundimiento en la autocomplacencia a la elevación de la consciencia por la supervivencia, ¡Auhh...! ¡Auhhh..! ¡Auuhhh!. Vinos. MADERAS. Manolo Gamella Mi padre era rigurosamente abstemio (algo de eso debió influir en mi posterior afición), y sin embargo, siendo yo un niño, me daba copitas de vino quinado, convencido de sus bondades para mi salud y mi apetito por el eficaz eslogan de la marca Santa Catalina: “que es medicina y es golosina”. No pretendo defender ahora aquella práctica,pero lo cierto es que, hasta la implantación de técnicas modernas de depuración, la inmensa mayoría de la humanidad, y gran parte aún hoy, corría serios riesgos de infección al beber agua. Este hecho ha sido sin duda un motivo importante del éxito histórico del vino, naturalmente desinfectado por su alcohol, en todas las zonas capaces de producirlo. Actualmente se conocen otros efectos sobre la salud del consumo de vino, negativos si es en exceso, pero también positivos si se toma con moderación. El alcohol en dosis elevadas perjudica al aparato digestivo, al hígado y a las neuronas, pero en dosis menores es estimulante y antidepresivo. Por otra parte el vino no es sólo alcohol y entre sus numerosos componentes hay sustancias, como el resveratrol y otros polifenoles, con efectos antioxidantes, anticoagulantes (contra los trombos), antiescleróticos, disolventes (contra los cálculos) y protectores contra el colesterol. Esto, junto a otros productos de la llamada dieta mediterránea, ayuda a explicar la menor incidencia de algunas enfermedades, como las coronarias, en los países consumidores. Estas sustancias se encuentran en cualquier tipo de vino, aunque se concentran más en los tintos por la aportación de los hollejos de las uvas con los que se fermentan. Bebemos vino (quienes lo hacemos) principalmente porque nos gusta, pero no está de más tener en cuenta todos estos aspectos. Eso sí, sin olvidar tampoco que como toda golosina el vino es también alimento, para bien o para mal. Durante siglos el vino ha supuesto parte de las calorías necesarias para el sustento de millones de personas, aportando además cantidades significativas de flúor, manganeso, potasio, hierro, fósforo, y vitaminas B6 y B2. Hoy, al menos en el primer mundo, son más problemáticos los excesos que los defectos calóricos. Depende del grado alcohólico, y en menor medida del azúcar, pero por término medio puede estimarse que una buena copa de vino viene a suponer unas 170 Kcal., más o menos como dos galletas de chocolate. Si la báscula preocupa no queda otra que elegir: más bocados o más copas.Libros personajes notables de las tecnologías de la información y las telecomunicaciones Autor: Jesús Fraile Mora. Edita: Fundetel. En el libro se incluyen, de forma abreviada, las biografías de 384 científicos o ingenieros relacionados con todas las ramas de la ingeniería de telecomunicación, considerada o entendida en sentido amplio. Algunas de las personas que figuran guardan relación, en algunos casos a través de sus apellidos, con leyes físicas, unidades y efectos e incluso métodos matemáticos que son de gran utilidad en la ingeniería eléctrica y electrónica: Coulomb, Volta, Ampère, Oersted, Ohm, Joule, Faraday, Maxwell, etc... Se incluyen además biografías de ingenieros que contribuyeron a áreas específicas de la telecomunicación y cuya labor no es por ello menos importante que la de los anteriores: Fleming, Branly, Lee de Forest, Marconi, Feddersen, Hartley, Colpitts, Brattain, Bardeen, Shockley, etc. En la obra hay muchos más nombres de ingenieros que colaboraron al progreso de la ingeniería electrónica, la telecomunicación o la informática, bien como profesores, investigadores teóricos y prácticos, o como empresarios, inventores y mecánicos.

3Ocio y + “Happy” es una canción que forma parte de la banda sonora de la película “Mi Villano Favorito 2”, cinta por la que campan unos graciosos, divertidos y felices hasta la médula “Minions”, unos seres concebidos como trabajadores natos y siempre dispuestos a prestarse a nuevos experimentos. Imbuido del concepto Minion, Pharrell Williams, rapero, cantante, productor y más cosas, bajo la dirección del colectivo francés WAFLA (We Are From L.A.), ha alumbrado un videoclip interactivo de 24 horas de duración, disponible en la URL del título, en el que decenas de personas, la mayoría anónimas y algunas populares, bailan y expresan “Happy” por las calles de Los Angeles, gente real, en tiempo real, individual o colectivamente, dando rienda suelta a su creatividad en genuino “cinema verité”: la cámara arranca, a filmar y a moverse, y en esos 4 minutos lo que pase, o quien pase ante ella, así y ahí queda. “Ninguno de nosotros es perfecto, pero todos estamos aquí. Hay sitio para todos bajo el sol, así que vamos a ello. #HAPPY“, pió Williams en su cuenta de Twitter al respecto. De los 360 vídeos disponibles, el de las 04h12PM evidencia mi teoría: los Minions están basados en criaturitas reales, con una o dos coletas, como sus ojos, capaces de dar al traste lo ensayado por una pendiente pero espontáneos y felices ante el futuro que tienen delante y ajenos al pasado que yace enterrado al lado. Martin Scorsese sabe de adicciones y de cine. La cocaína por poco si le lleva a la tumba y fue el cine quien le rescató para rodar “Toro salvaje” (1980). Desde entonces, una pasión cinéfila desmedida le ha permitido llegar a los 71 años para rodar con una libertad y sabiduría absolutas una crónica desmedida y salvaje del mundo bursátil de finales de los 80, basada en la autobiografía del ‘broker’ Jordan Belfort, la viva imagen del lado oscuro del capitalismo, un especulador financiero que se dedicó a vender bonos basura a inversores incautos. Scorsese se sumerge en la codicia, se regodea en el exceso y, con la cámara como hipnótico agujero negro, arrastra, absorbe, engulle al espectador hasta la pantalla y lo incrusta en el desenfreno de drogas, adrenalina, prostitutas y orgías que por allí corre para así evidenciar la destrucción que todo ello provoca: una terapia de choque por exceso a la que ha extraído toda violencia, la edad es un grado, de modo que queda una comedia de secuencias a cual más delirante hasta llegar al clímax con la de la llamada desde la cabina telefónica y las ‘espinacas’. Que esté basada en una historia real, que transcurra a principios de los 90 y que la empresa fuera pequeña no impide que se te escape la risa pero lo que podría haber sido una carcajada distendida, catártica y liberadora queda, por efecto del sudor frío del momento presente, en una estupefacta mueca helada. Cine HTTP://24HOURSOFHAPPY.COM . Dirección: We Are From L.A., 2013 A PROPÓSITO DE LLEWYN DAVIS. Dirección: Ethan Coen y Joel Coen, 2013 EL LOBO DE WALL STREET. Dirección: Martin Scorsese, 2013 Atanasio Carpena Martín Gaslight Café, 1961, Nueva York. Los hermanos Coen presentan parapetado tras un ficticio Llewyn Davis, inspirado en un real Dave Van Ronk, un concreto y definitorio momento cultural. Lo hacen nevando con un sensible toque cómico el agrio naufragio del protagonista, componiendo así un emotivo musical que proyecta un homenaje visual y sonoro, plagado de referencias culturales y sociales, sobre el mundo que tejió el maridaje entre la música folk y la contracultura urbana, despojándola de su tradición pueblerina hasta alumbrar, con posterioridad al final de la película, la totalizadora figura de su paisano Bob Dylan. El Village neoyorquino a finales de los 50 era música y política y, por eso, se cantaban canciones folk: sencillas, democráticas, populares, nacidas en el campo, en las granjas, que iban pasando de cantante en cantante si bien tal como, en Chicago, nos resume el personaje trasunto de Albert Grossman: “No veo dinero ahí”. Había también una enemistad entre ‘folkies’ y ‘jazzmen’ que despunta en la odisea surrealista del viaje en coche hasta Chicago: “¿Qué tocas?” –le pregunta el personaje inspirado en Doc Pomus: “¿Folk? Pensé que habías dicho que eras músico”, se contesta para sí con ironía. “Si no es nuevo y nunca envejece, entonces es una canción folk”, dice Davis antes de cantar “Hang me”, famoso tema de Van Ronk, al final le deja la silla a un joven de pelo rizado, sale del bar y un desconocido le noquea mientras a través de las paredes, sonando a despedida, se filtra una voz nasal inconfundible cantando “Farewell”. Los tiempos estaban empezando a cambiar. Ocio y + 3 El pueblecito burgalés de Neila es famoso por las lagunas que, situadas a más de 1800 metros de altitud, componen un espléndido cuadro de la naturaleza. Quizás lo que más publicidad le haya dado al lugar es que allí termina una de las etapas más disputadas y con mayor dureza de la vuelta ciclista a Burgos. Para llegar hasta allí hay que pasar por Quintanar de la Sierra que está a unos 1100 metros y en pocos kilómetros se asciende hasta los 1800 con tramos de un desnivel de hasta el 17%. Una vez llegados arriba con el coche nos encontramos con varias posibilidades de excursión. Unas son sencillos paseos y otras caminatas de cierta dificultad entre pinos y hayas, algunos de gran tamaño. Será elección nuestra cuál de ellas elegir. Incluso se pueden proponer varias alternativas para que según el perfil de los integrantes del grupo se pueda escoger la dificultad. Hay para todo, incluso en la laguna de las cascadas existe un refugio que previa reserva puede servir para pernoctar y disfrutar de la soledad de la noche en la montaña. En la foto se muestra el refugio un tanto descuidado, a ver si lo arreglan. Bien, en Quintanar, en Neila o en las propias lagunas existe información suficiente de los caminos a recorrer con las explicaciones oportunas del entorno. Todo está muy bien señalizado y los caminos son fáciles de identificar (unos más empinados que otros pero claros). En todo caso el objetivo es llegar hasta la laguna negra de Neila y, si el tiempo acompaña, darse un bañito en sus aguas frías y estimulantes. Dependiendo de la época del año nos podemos encontrar con un paisaje helado, o bien lleno de cascadas, o también sumido en la tranquilidad del estío. No es un lugar en el que haga calor por lo que la excursión en verano es perfectamente recomendable para huir de las temperaturas agobiantes de otros lugares. Quisiera terminar la reseña de la excursión recomendando una visita de camino entre Quintanar y Vinuesa. Se trata de unos enterramientos medievales cristianos situados cerca de la ermita de Nuestra Señora de Revenga. En la zona hay varios lugares por el estilo pero éste es el que mayor número de tumbas contiene. Personalmente, no he visitado un cementerio de estas características con tantas tumbas salvo en Uncastillo (Zaragoza). Merece la pena visitarlo. He podido observar que en algunos mapas se refieren a ellos como necrópolis, término que está mal empleado en este caso porque debe llamarse cementerio. Las necrópolis son las ciudades de los muertos y tienen una disposición muy diferente a los cementerios que son los lugares de reposo de los muertos en espera de la resurrección. Y esto lo digo porque todas las tumbas están dispuestas con los pies al oriente de tal forma que cuando llegue la resurrección todos podrán levantarse mirando al sol naciente (cosas de los enterramientos cristianos). Excursión LAS LAGUNAS DE NEILA Julián Fernández Navajas 3Ocio y + Vinos En general, pero más aún en España, la uva blanca es más abundante que la tinta. Sin embargo, también en general, los vinos tintos suelen ser más apreciados que los blancos, y hasta hay quien llega a decir que “el mejor blanco es un buen tinto”; un evidente abuso del lenguaje, porque las virtudes propias que dan excelencia a tantos buenos tintos, no impiden reconocer también otras virtudes, por supuesto diferentes, dentro de la gran variedad de vinos blancos. Limitándonos sólo a los vinos tranquilos y naturales, o sea dejando aparte a los champanes o similares, y a los generosos o reforzados, ciertos blancos se encuentran entre los vinos más prestigiosos y caros del mundo. Son especialmente notables los que se obtienen escogiendo las uvas atacadas por el hongo botrytis cinerea, que bajo determinados climas y condiciones provoca la llamada “podredumbre noble”, concentrando azúcares y aromas en vinos como el Tokaj húngaro, “vino de reyes y rey de los vinos”, o los sauternes de Burdeos, como el carísimo Château d’Yquem. También los obtenidos de uvas naturalmente pasificadas, como algunos pedro ximénez malagueños, o los eiswein alemanes de uvas tardías afectadas por las primeras heladas. Pero estos viejos vinos aristocráticos no son los únicos blancos dignos de apreciar. En las últimas décadas la misma revolución tecnológica y comercial que ha mejorado y multiplicado variedades y marcas de todo tipo de vinos, lo ha hecho también con muchos blancos. El extraordinario éxito de los jóvenes de verdejo de Rueda es un buen estímulo para que bodegas por toda España se esfuercen en ofrecer blancos de calidad a precios competitivos. Estos vinos necesitan cada vez más una personalidad propia que los distinga en el mercado, y la persiguen por los caracteres de las uvas o por especializaciones en las técnicas. Se mejora el cuidado del cultivo, la selección y la elaboración, para resaltar las mejores propiedades de variedades blancas tradicionales, como la albariño o la godello en Galicia, o hasta la humilde airén manchega, la más producida en España. Puede aprovecharse la madurez de las vides (“cepas viejas”) o, por otro lado, la combinación de estas uvas con cepas de otros orígenes, como las francesas chardonnay o sauvignon para lograr nuevos gustos. Las técnicas de tratamiento se abren a alternativas, algunas no radicalmente nuevas pero sí actualizadas. Siempre se han criado en madera unos cuantos vinos blancos, pero ahora aumentan las marcas que simplemente fermentan en barricas de roble para obtener ese toque de sabor sin llegar a tapar la frutosidad. También se recupera, controlando bien la asepsia, la crianza de algunos blancos “sobre lías”, o sea reposando con los restos de sus propias levaduras de fermentación para comunicar al vino otros aromas interesantes. Cada vez más los productores procuran destacar estas diferenciaciones en sus etiquetas. Es educativo leerlas y, sobre todo, contrastar los resultados al catar. Es imposible decir cuál es el mejor blanco, y es que hay ya demasiados buenos, sean nobles o plebeyos. BLANCOS NOBLES Y PLEBEYOS Manolo Gamella Ocio y + 3 La época musical del Barroco, que comienza básicamente con el siglo XVII, marca uno de los períodos más importantes de la Historia de la Música, sobre todo por el enorme espíritu de creación que surge en varios países europeos. Aparecen grandes figuras, como Vivaldi y Corelli en Italia, en Inglaterra Purcell y Händel, éste de origen alemán, y precisamente en Alemania, la gran figura del Barroco, Johann Sebastian Bach. Bach aparece en el Barroco cuando ya se interpretaban las grandes obras de otros músicos. Sin embargo, consigue llevar la música a una plenitud que constituirá la base de toda la música posterior. Su obra, poco reconocida en vida del autor, cobró después una gran fama y llegó a ser considerada como la Catedral de la Música. La obra musical de Bach es inmensa. En el ámbito instrumental compuso música que sigue siendo hoy el gran referente, sobre todo en la Suite y el Concerto, con el ejemplo tan conocido de los seis Conciertos de Brandemburgo. También es extensa su obra para clavecín, en la que destaca El Clave bien temperado, que servirá de base teórica para buena parte de la composición posterior, especialmente para piano. Más representativa aún que su música instrumental es la que Bach compuso para ser cantada, en particular la música sacra. Es difícil separar su música profana de la sacra ya que toda está compuesta en honor de Dios, según el propio Bach. Pero hay que señalar, como el elemento más destacado de su música, la Cantata, procedente del culto luterano, en el que ya se interpretaba desde la época del propio Lutero. Compuso Bach más de doscientas cantatas, cantidad enorme que se explica porque cada domingo o festivo se interpretaba una dentro del culto luterano. La Cantata tiene varias partes, arias y recitativos de diversas voces, pero su elemento más significativo es el Coral, que representa el espíritu luterano al ser cantado en común por los fieles. Son también muy conocidas en la obra de Bach sus dos Pasiones, la de San Mateo y la de San Juan, compuestas como grandes cantatas para celebrar de modo especial la Pasión y Muerte de Cristo. En estas obras intervienen, junto con los personajes del Evangelio, un narrador y el pueblo alemán. Sin embargo, no hay representación de carácter teatral, sino solamente canto vocal. Mención especial en la producción de Bach merece su obra para órgano, sobre todo por sus famosas fugas, que representan la más pura esencia barroca. Bach compuso 260 piezas para órgano, la mayoría en sus primeras etapas de creación. Además, aunque son menos conocidas, hay que mencionar también sus 29 obras orquestales. Para hacer una recomendación concreta sobre el catálogo musical de Bach, hemos elegido alguna de las cantatas más conocidas, entre ellas la famosa 147, que finaliza con el Coral Jesus bleibet meine Freude. Se incluye como referencia una grabación de varias cantatas realizada por el grupo coral The Sixteen. LA CATEDRAL DE LA MÚSICA DE BACH El rincón de la música clásica J.M. Martínez Adrados 3Ocio y + EXPOSICIONES MARÍA CURIE, UNA POLACA EN PARÍS Ciclo de conferencias y exposiciones sobre Marie Curie Museo Nacional de Ciencias Naturales (Madrid) (5 marzo-7 septiembre) El Consejo Superior de Investigaciones Científicas, CSIC, junto al Museo Nacional de Ciencias Naturales y Rocaviva Eventos, han organizado las jornadas ‘María Sklodowska-Curie: una polaca en París’, para conmemorar la creación centenaria de los primeros Institutos dedicados a las aplicaciones de la radiactividad: el Instituto de la Radiactividad de Madrid (1910), el Instituto del Radio de París (1914) y el Instituto del Radio de Varsovia (1932). La exposición pretende acercar al público a la mujer pionera en alcanzar muchas metas: ser doctora en Ciencias Físicas, profesora universitaria, académica, galardonada con el Premio Nobel y la primera persona que lo obtuvo en dos ocasiones, e invita a enfocar la mirada en la persona que subyace bajo el personaje, destacando su innata generosidad, su sentido del compromiso y de la solidaridad. Adicionalmente seis ponencias acercarán al público la figura de Marie Curie. El 5 de marzo, bajo el título “Mujer y Ciencia. Mi propia experiencia”, Margarita Salas, profesora ad honorem del CSIC abrirá el ciclo en la Residencia de Estudiantes; el próximo 3 de abril, Edward Towpik, director del Instituto del Museo de Historia de la Medicina disertará sobre “El Instituto del Radio en Varsovia, un regalo del pueblo polaco a Marie Skłodowska-Curie. El uso del radio en la medicina”, en el Museo Nacional de Ciencias Naturales; el próximo 24 de abril, bajo la rúbrica “Los Joliot-Curie, mis padres, y la radiactividad artificial “, Hélène Langevin- Joliot, profesora de Investigación Emérita del CNRS (Instituto de Física Nuclear) compartirá su visión en el Museo Nacional de Ciencias Naturales; el 29 de mayo habrá una doble disertación "Ève Curie, una mujer de excepción”, por la bióloga Anne Joliot, y el biofísico Pierre Joliot- Curie, "La Investigación tal y como la han vivido tres generaciones de científicos", en la Biblioteca Nacional de España. El 12 de junio, bajo el título “La radiactividad o la ciencia de lo invisible”, Renaud Huynh, director del Museo Curie de Paris, charlará con los presentes en el Instituto Francés y, por último, el 3 de julio, con el epígrafe “Los viajes en España de María Sklodowska- Curie”, Belén Yuste y Sonnia L. Rivas-Caballero, autoras de la biografía “María Sklodowska-Curie, una polaca en Paris”, trazarán una semblanza de la Premio Nobel por partida doble en el Museo Nacional de Ciencias Naturales. Más información: http://www.mncn.csic.es

3Ocio y + Theodore escribe las emociones de otros, elabora para terceros contenidos que simulan las “antiguas” cartas manuscritas, pero su vida personal ha entrado en un túnel de depresión tras su separación. Todo cambia tras adquirir un nuevo OS con cuya voz, llamada Samantha, inicia, ¿embrujado?, una relación. Inteligencia artificial, colores cálidos, ropa monocromática y música de Arcade Fire para la soledad de siempre en la gran ciudad del presente y en la antesala multiplataforma del futuro: una proyección panorámica (ratio de pantalla 1.85:1) que compone una oda a la esencia de las relaciones, a esa emoción sentida y compartida a ojos cerrados hecha tangible en segundos de pantalla negra (aquí los subtítulos difuminan el significado). Jonze comenta: “No soy un experto en relaciones. No soy un experto en nada. La película es ‘yo’ tratando de comprender las relaciones. Alguien me dijo una vez algo sobre las relaciones: no quieres traicionar lo que eres pero tienes que hacer sacrificios. Y, obviamente, la diferencia es importante.” Y en referencia a si la tecnología creará una ‘distrofia’ comunicativa opina: “Incluso aunque la tecnología evolucione tan rápidamente, dentro de nosotros siempre estará la necesidad de conectarnos. Y nosotros seremos el sistema de pesos y contrapesos. No tenemos que hacer algo que no queremos hacer. La tecnología puede ser usada para conectar y para desconectar. Es nuestra decisión individual usarla para crear intimidad o para evitar la intimidad. Puede que esta historia sobre Monsieur Gustave, el perfecto conserje al que la herencia de una de sus octogenarias amantes clientes convierte primero en preso y en prófugo después, le permita a Anderson llegar, por fin, al gran público. La película es un canto de amor a la vieja Europa con pinceladas reflexivas a la época de entreguerras que se mueve de lo esperpéntico a la trama policíaca. Puede que cojee de debilidad argumental pero es una percepción a posteriori pues de principio a fin es un auténtico placer para la vista, un divertido cuento de tebeo con un ritmo endiablado construido sobre cimientos de humor absurdo y sustentado por un reparto de lujo. De hecho el cartel sirve de guía para su identificación tras el maquillaje y la caracterización, como un divertido juego adicional (¿Quién es quién? o ¿Dónde está Wally?) que se le ofrece al espectador por si no tuviera ya bastante con una puesta en escena maravillosa y técnicamente irreprochable que combina la dinámica propia del cine mudo, el ritmo de la comedia loca, la sátira nostálgica y la conciencia combativa con unos personajes tan imposibles como tiernos, resultando todo ello tan sabroso a los sentidos como los pasteles de Mendl’s que nadie osa cuestionar. Por cierto, en YouTUBE se puede encontrar “How to make a Courtesan au Chocolat”, el vídeo original es de FoxSearchlight, para que el buen sabor de Mendl’s se prolongue más allá de la pantalla. La historia surge de un libro que el director escribió hace unos años, titulado “Anochece en Katmandú”, sobre un personaje que en los años 60 y 70 llevaba hippies a la India en furgoneta, que en los 80 tuvo un accidente en el río Níger del cual quedó parapléjico y que desde entonces vive en silla de ruedas. El director ve este personaje en las carnes, en la cara, en la mirada de Juan Diego, actor que le otorga la fuerza emocional de quien tiene una relación muy racional con la vida y con la muerte pero que a raíz de su accidente ha decidido no darse una segunda oportunidad. Cuando alcanza la fase terminal, se pone en marcha, acompañado por su asistenta rumana, para realizar por última vez, y solo de ida, el camino que tantas veces recorrió. El viaje es una excusa para documentar pausadamente en cinemascope (ratio 2.35:1), lo que se agradece desde la butaca, la imposibilidad de recuperar el tiempo perdido o de zafarse de los lazos que atan: dos personajes realizando una demostración de fuerza casi mortal en un solitario viaje emocional donde camino físico y existencial se solapan y el recuerdo del pasado y la realidad del presente se les echan encima cuando quien conduce no echa el freno de mano. Si bien parece que en este caso es para bien pues queremos entender que el desesperado “sprint” a cámara lenta, en el que la gorra queda atrás, conduce hasta un ángel salvador terrenal. Cine HER. Dirección: Spike Jonze, 2013 EL GRAN HOTEL BUDAPEST Dirección: Spike Jonze, 2013 ANOCHECE EN LA INDIA Dirección: Wes Anderson, 2014 Atanasio Carpena Martín Ocio y + 3 Cuando este verano nos encontrábamos en Asturias haciendo turismo, nos preguntábamos si podría haber alguna propuesta diferente a la de años anteriores. No estaba yo muy convencido de poder conseguirlo pero al fin encontré algo que podría pasar por tal: una visita a lo que podría denominarse una fábrica de quesos de cabrales. En esta visita descubrí que se puede hacer mejor lo que de por sí ya es bueno. Es una excursión que compaginaba naturaleza con gastronomía. Y es que en el pueblecito de Asiego nos hicieron un recorrido perfecto para explicarnos el proceso de elaboración del queso cabrales. Vimos dónde se recogía la leche, como se ponía a fermentar, cómo se quitaba el suero y a dónde se llevaba para el proceso de curación (aquí nos insistieron que nunca en estiercol); a diferentes cuevas en la montaña. La verdad es que con la mente abierta de todo ingeniero disfruté de las explicaciones que nos daban los guías. No me acuerdo muy bien de los detalles y lamento no poder ser más explícito. Después de ver donde se fermenta la leche nos llevaron a una cueva dando un paseo agradable por el monte. Era una cueva que estaba cerca y por lo tanto a poca altitud lo que hacía que tuviera una temperatura media algo más alta en comparación con otras cuevas (lo que aceleraba la curación, algo no deseado). Nos explicaron que era necesario que la cueva fuera natural para que proliferase la bacteria responsable de la curación del queso. Por supuesto que no entramos en la cueva, sino que la vimos a través de una ventana perfectamente aislada. Además nos enseñaron que los quesos curados en invierno eran distintos a los curados en veranos, que bueno es saberlo. A continuación nos llevaron a un llagar (donde se hace la sidra) y nos obsequiaron con una copiosa comida de productos de la tierra donde no podía faltar ni las fabes, ni el quesu, ni la miel, ni la sidra ni …Vamos que después de comer y ya por nuestra cuenta, había que dar un paseíto para facilitar la digestión. Aquí aprendí que se puede comer el queso cabrales con miel y he vuelto a hacerlo para disfrute de los sentidos, aunque con menos sidra de acompañamiento. Que no se me olvide, ¡que vistas había desde el mirador del pueblo! Con los picos de Europa al fondo, destacándose la silueta del Pico Urriellu (Naranjo de Bulnes). Buen paseo y buenas fotos. Ya no os cuento más porque podéis buscar información en la red y seguro que os indican de manera más acertadas que yo cómo llegar. En todo caso os animo a que hagáis la excursión. Excursión CABRALES: NATURALEZA Y GASTRONOMÍA Julián Fernández Navajas 3Ocio y + Vinos El túnel del vino es una instalación que se viene montando anualmente (el año próximo entre 13 y 16 de abril) dentro del Salón de Gourmets, la feria organizada en Madrid por el Grupo Gourmets, una empresa editora que publica una guía anual de vinos y la revista Club de Gourmets. La cosa consiste en un recorrido, con una copa y una libreta de notas en la mano, por una serie de mostradores en los que pueden probarse vinos de las principales variedades de uva cultivadas en España, una por mostrador. En la edición de este año el túnel del vino ofrecía muestras de 23 tipos de uva, 11 blancas y 12 tintas: Uvas blancas- viura (o macabeo), godello, albariño, parellada, xarel.lo, verdejo, chardonnay, palomino, moscatel, malvasía, pedro ximénez. Uvas tintas- mazuelo (o cariñena), graciano, garnacha, monastrell, mencía, prieto picudo, cabernet sauvignon, merlot, pinot noir, syrah, petit verdot, tempranillo (o cencibel, o ull de llebre, o tinto fino, país, toro o madrid). Son variedades autóctonas o introducidas, localizadas o extendidas por gran parte del país, utilizadas para vinos jóvenes, con crianzas, espumosos, generosos, secos o dulces. En conjunto, una buena panorámica de nuestra realidad en este tema. No conozco ninguna oportunidad similar para poder apreciar directamente las características que aporta cada uva, dando además una idea de cómo se expresan según climas, terrenos, trabajos y elaboración de los vinos, porque en cada mostrador pueden elegirse también distintas marcas. Queda claro que nuestro lenguaje es demasiado pobre para describir aromas y sabores, por más que lo intentemos buscando recuerdos de sustancias conocidas o echándole imaginación poética. Sin despreciar la buena literatura, hay que reconocer que nada supera a la prueba real para conocer sobre uvas y vinos. Lástima que, a menos que seamos capaces de escupir cada sorbo (¡qué desperdicio!), tenga cierto riesgo completar de una sentada todas las estaciones de este túnel. EL “TÚNEL DEL VINO” Manolo Gamella ESTAMOS ABIERTOS A TUS COLABORACIONES Aquí cabemos todos, solo... ppoonnttee eenn ccoollaa ES TU REVISTA Enviar ofertas e ideas a: [email protected] serán estudiadas, según el espacio y las normas de edición en activo Ocio y + 3 Hemos hablado de la voz humana como el instrumento más sencillo de los utilizados tradicionalmente en la música. Hablemos ahora de los instrumentos que habitualmente componen una orquesta para la interpretación de la música sinfónica, dejando para otra ocasión la gran variedad de instrumentos usados en otros grupos musicales. La orquesta sinfónica actual procede de los conjuntos instrumentales surgidos durante los últimos cinco siglos, grupos consolidados en el siglo XVII por sus actuaciones en las cortes europeas, en iglesias y en teatros. La normalización de la composición de la orquesta se realizó a finales del siglo XVIII. Actualmente, los diversos instrumentos de la orquesta sinfónica se suelen clasificar en grupos afines, denominados familias. Podemos hablar, en general, de cinco familias: Instrumentos de Cuerda, de Viento-Madera, de Viento-Metal, de Percusión, e Instrumentos mixtos La familia de la Cuerda es la más numerosa y representativa en la orquesta actual. Se compone de cuatro instrumentos básicos: violín, viola, violonchelo y contrabajo. El más popular de la familia es el violín, que dispone de cuatro cuerdas afinadas por quintas con una tesitura de varias octavas. La viola, algo más grande, tiene un sonido grave y aterciopelado. Los otros dos instrumentos son de mayor tamaño y sonido más grave. La familia de Viento-Madera está formada por instrumentos diversos que en conjunto aportan un colorido sonoro muy atractivo. Los más habituales son el oboe, la flauta, el flautín, el clarinete, el fagot, el contrafagot y el corno inglés, todos ellos con algunas variantes. Se trata de instrumentos con lengüeta, a excepción de la flauta y el flautín, que además son metálicos y figuran en esta familia por razones históricas y tímbricas. En el Viento-Metal figuran cuatro instrumentos, trompeta, trombón, trompa y tuba, conocidos desde antiguo en el ámbito militar por su potencia y su brillantez tímbrica, cualidades incorporadas a la orquesta actual. La familia de la Percusión es extensa y crece con las obras modernas, desde el timbal hasta los objetos más inesperados. Entre los instrumentos mixtos destacan dos representantes, el Arpa y el Piano. El arpa se utilizaba incluso en el imperio egipcio y se ha incorporado a la orquesta sinfónica en épocas recientes. Destaca por su versatilidad, ya que su tesitura cubre más de seis octavas. Mayor extensión incluso cubre el piano, de enorme popularidad desde que sustituyó al clavecín en la época de Beethoven. En esta ocasión la recomendación que haremos es doble. En primer lugar, una obra concebida, precisamente, para ayudar a distinguir entre sí los sonidos de algunos de los instrumentos más conocidos. Se trata de la conocida obra de Sergei Prokofiev Pedro y el lobo. En la misma grabación se incluye otra obra de carácter didáctico, la Guía orquestal para la juventud, compuesta por Benjamin Britten en 1946. LAS FAMILIAS DE INSTRUMENTOS EN LA ORQUESTA El rincón de la música clásica J.M. Martínez Adrados 3Ocio y +Libros El presente libro sociotécnico divulgativo es el resultado de haber agregado unos grupos de textos del profesor Fernando Sáez Vacas a la tesis doctoral “Desarrollo de un marco tecnocultural para una sociotecnología de la información y cultura, con aplicaciones en el ámbito de la educación superior para la formación de inforprofesionales” presentada por Antonio M. Fumero y dirigida por el catedrático Sáez Vacas, que fue presentada en 2012 en la ETSIT UPM, obteniendo la máxima calificación. La descripción de una cultura socioinfotecnológíca realizada en este libro se compone de un amplio conjunto de estudios, investigaciones y propuestas educativas desarrolladas mediante enfoques interdisciplinares y complejos en la novedosa área STIC (SocioTecnología de la Información y Cultura). Antonio Miguel Fumero Reverón es Ingeniero de Telecomunicación, MBA y Doctor por la UPM. En la actualidad, combina su labor como investigador, colaborando con el Center for Open Middleware de la UPM, con su actividad profesional como consultor de desarrollo de negocio para Codeeta Mob y asesor para otras startups de base tecnológica. Es autor de numerosos artículos y trabajos de investigación en el ámbito del Social Software y es un conferenciante y formador reconocido que lleva más de diez años desempeñando labores de diseminación, asesoría y análisis como experto para distintas organizaciones corporativas e institucionales. Fernando Sáez Vacas es Doctor Ingeniero de Telecomunicación, Maître èn Sciences Aéronautiques y Licenciado en Informática. Profesor Emérito, ha sido Catedrático del Departamento de Ingeniería de Sistemas Telemáticos en la ETSIT de la UPM desde 1974. Ha sido miembro de distintas sociedades tecnocientíficas, ocupando la presidencia del capitulo español de la IEEE Computer Society entre 1984 y 2001. La experiencia en el campo educativo, profesional e investigador de Fernando Sáez Vacas abarca varias décadas, durante las cuales ha publicado varios centenares de trabajos entre colaboraciones, artículos, comunicaciones y libros. La revista BIT se honra de haberle tenido como colaborador habitual durante años. ARGUMENTACIÓN DIDÁCTICA DE UNA INNOVADORA CULTURA SOCIOINFOTECNOLÓ- GICA. LIBRO- TESIS Autores: Fernando Sáez Vacas y Antonio Miguel Fumero Reverón Edita: Publixed Páginas: 384

Titulada con un verso de un poema de Paul Valéry (El viento se levanta... ¡hay que intentar vivir!) y producida en el Studio Ghibli, co-fundado por Miyazaki, (‘Ghibli’, como llamaban los italianos al viento que sopla en el Sáhara) que a su vez hace referencia al Caproni CA.309 Ghibli, avión diseñado por Giovanni Caproni que hace de mentor del protagonista, Jiro Horikoshi, un muchacho que soñaba con volar y que se convirtió en el ingeniero aeronáutico que diseñó el caza Mitsubishi A6M Zero, usado en el ataque a Pearl Harbor y considerado el mejor avión de la época, la película alterna dos facetas, la onírica, la de los sueños por conseguir la libertad que supone volar, con campos de verde hierba movida por el viento y cielos azules llenos de nubes de algodón que se deshacen al pasar los aviones, y la real, en tonos ocres y atmósferas funestas, en la que vemos su lucha por construir ese avión y vivir todo lo posible su historia de amor; cara y cruz de una fábula sobre la persecución de los sueños, la llegada del amor y el compromiso: “Escúchame muchacho japonés, los aviones no son una herramienta para la guerra, ni un negocio para ganar dinero: los aviones son hermosos sueños y los ingenieros hacemos realidad esos sueños”. Una analogía entre aviación y animación llena de magia, poesía y ensoñación sobre cómo tecnología y arte van de la mano. “Lo que os voy a contar os parecerá una locura pero tenéis que escucharme: vuestras vidas dependen de ello... Muero a los cinco minutos de pisar esa playa, yo y todos vosotros... Tienes que morir todos los días, ven aquí y te entrenaré”. Liman no quería hacer un film de ciencia ficción pero su adaptación de la novela All you need is kill resulta un interesante, emocionante y divertido videojuego que se vive como si tuviéramos la consola en las manos mientras avanzamos “niveles” junto al sufrido Cage (buenos días, gusano) y la aguerrida Rita (alias ‘El Ángel de Verdún, alias ‘La Cabrona Metálica’) en un combinado de cine bélico, historia de amor, acción (mucha acción), buenas dosis de humor (no precisamente inglés) y mil y una connotaciones de ciencia ficción, todo ello sustentado por dos triángulos, uno estructural conformado por el montaje, la dosificación desde el guión y el creíble diseño de producción y otro personal determinado por la pareja protagonista y el propio director. Para Liman es “una historia de amor en el frente de una guerra de la humanidad contra una raza alienígena. Una guerra de buenos contra malos como fue la Segunda Guerra Mundial, que creo que fue la última en la que estaba claro quiénes eran los buenos y los malos”. Para mí, la constatación de la máxima de Lazarus Long en sus cien vidas: ‘Se vive y se aprende; o no se vive mucho’. Para Adam, desencantado músico ermitaño en Detroit, y Eve, vivaz lectora ahora en Tánger, somos unos zombis: una humanidad degenerada que ha contaminado hasta su propia sangre, un riesgo vital añadido que van sorteando con sendos proveedores de óptima calidad. Para Jarmush ha devenido un film inspirado en Los diarios de Adán y Eva de Mark Twain que, al transcurrir siempre de noche, le hubiera gustado filmar con película convencional pero que por razones de presupuesto ha tenido que rodar en digital aunque consiguiendo un aspecto visual casi equivalente utilizando baja iluminación y lentes especiales. Inicialmente contenía un poco de acción pero cuando fue instado a que tuviera más optó por que no hubiera ninguna: son 123 minutos que transcurren a caballo pausado entre las dos ciudades y en los que música, ambientación y cámara, ya desde los créditos de inicio (con esas letras que intentan girar para acabar convirtiéndose en el giradiscos que nos presenta a los dos distantes amantes para, una vez sabidos dispares, emparejarlos), buscan llevar al espectador hipnotizado hasta el ‘Excuse moi’ que le saca del trance visual y le devuelve a la realidad cotidiana pero sin que olvide lo que una guitarra Fender puede sugerir en Tánger. Una película visual para un estado de ánimo íntimo que se paladea con la sugestión. Cine EL VIENTO SE LEVANTA Dirección: Hayao Miyazaki, 2013 AL FILO DEL MAÑANA Dirección: Doug Liman, 2014 SOLO LOS AMANTES SOBREVIVEN Dirección: Jim Jarmusch, 2013 Atanasio Carpena Martín Cuando vamos de excursión al Pirineo tenemos la idea de visitar pueblos de alta montaña y estaciones de esquí pero hay una serie de pueblos que son parada obligada antes de llegar al Pirineo y que muchas veces pasamos de largo. En esta ocasión os propongo visitar Ainsa. Es una bonita villa del Sobrarbe que está estupendamente conservada y que se sitúa a la entrada de varios valles pirenaicos. En mi caso lo visitamos cuando fuimos al valle de Plan cuya excursión recomendé en un Bit anterior. Nosotros paramos en Ainsa unas horas pero es un destino turístico que bien merece un fin de semana por lo menos. Dar un paseo por sus callejuelas empedradas, visitar las cinco puertas que se conservan de su recinto amurallado, sentarse al sol en algún banco de piedra frente a alguna de sus casonas o contemplar desde su privilegiada situación las vistas que hay del Pirineo son algunas de las cosas que podemos hacer. Pero lo que no debemos dejar de hacer es la visita a su fortaleza, la plaza mayor con sus portales y la iglesia de Santa María. En cuanto a su castillo fortaleza hay que destacar que por su estado de conservación y su amplia plaza de armas tiene ubicados en él tanto el Eco-museo o Albergue de la fauna (gestionado por la FCQ), la Oficina Comarcal de Turismo y el Centro de interpretación del Geoparque de Sobrarbe. Aunque los primeros restos datan del siglo XI o incluso anteriores su disposición actual es de la época de Felipe II. Con respecto a la plaza mayor cabe destacar sus portales que sirven de refugio tanto en días fríos como en calurosos. Por su belleza y encanto se utiliza como escenario de ferias y mercados. Son famosas las fotos de estos portales y yo no me resisto a poner en mi reseña una de ellas. Si escogemos un día apropiado podremos disfrutar del bullicio de la gente paseando junto a las tiendas de recuerdos o bien sentados en una de sus terrazas. A nosotros nos tocó la salida de una boda lo cual aumentó el colorido del entorno. Aunque quizás no parezca lo más apropiado siempre es una muestra del dinamismo de la zona. En cuanto a la iglesia, tiene todo aquello que podemos pedir a este tipo de edificaciones: templo, torre, claustro, cripta y hasta hospital de peregrinos. Bien merece una visita pausada para disfrutar de su arquitectura y sus diferentes espacios. Recogimiento en su interior y vistas inmejorables desde lo alto de la torre. En fin, que si tenéis la oportunidad no dudéis en hacer un alto en el camino para visitar Ainsa. Excursión AINSA: PORTAL DEL PIRINEO Julián Fernández Navajas Vinos En materia de vinos cada bebedor es muy libre, faltaría más, para mantenerse en sus hábitos, o incluso para adoptar una postura despreocupada sobre los vinos que se le ofrecen en comercios, bares o restaurantes, al menos mientras no le disgusten especialmente. Respetando esa libertad yo recomiendo sin embargo una actitud más curiosa en este mundillo que afortunadamente da pie, con su enorme diversidad, a todas las oportunidades imaginables para probar y conocer. Sin necesidad de elevarnos a niveles superiores de curiosidad (literatura, cursos, catas…) pueden apuntarse simples sugerencias para ejercerla de manera corriente y cotidiana. Veamos algunas: –Prestemos atención a las etiquetas. No tanto a su aspecto estético, como a la información que contengan. Parte de esta información puede ser puramente publicitaria (alabanzas, imágenes poéticas, datos familiares o históricos…), pero siempre hay también alguna más ilustrativa. Por ejemplo, es obligatorio indicar el grado de alcohol, y no es lo mismo un vino de 10º que otro de 15º. También si el vino se acoge a alguna denominación oficial de origen o de calidad, y dentro de éstas su tipificación regulada (crianzas, reservas, etc.). Otros datos son fundamentales aunque no siempre aparecen, como las añadas (ojo con blancos, rosados, o tintos “jóvenes” desactualizados), la variedad o variedades de uva, y cualquier detalle sobre características o formas particulares de elaboración. Casar estas informaciones con las sensaciones que se encuentren en el vino y recordarlo es, para mí, la mayor fuente de conocimiento real en este asunto. –Carpe diem, aprovechemos ocasiones. Una muy clara la ofrecen los viajes. No concibo estar en regiones o países con vinos propios y pretender beber sistemáticamente otros. Tampoco estar en países consumidores, pero sin producción significativa, y no explorar el muestrario de vinos del mundo que es frecuente encontrar en sus mesas o estanterías, y más raro en cambio por aquí. –Y, claro está, animarse a variar. No siempre, no arbitrariamente, pero sin miedo. Sin prisas y con pausas. El premio no es sólo saber más, sino sobre todo disfrutarlo. Quien sea curioso, por supuesto. ELOGIO DE LA CURIOSIDAD Manolo Gamella Si ha habido un músico realmente precoz, un músico que haya sido un genio desde su infancia, sin duda se trata de Wolfgang Amadeus Mozart. Nacido en Salzburgo, hijo de un violinista, el pequeño Wolfgang mostraba ya su interés por la música a los cuatro años. Con seis años componía y daba sus primeros conciertos, causando con ello un gran asombro en varios países europeos, a los que viajó con su padre. Gracias a esta precocidad en el inicio de su creación musical, Mozart logró reunir un extenso catálogo de obras durante su juventud, puesto que su vida no fue larga. Murió a los treinta y cinco años, tras una vida nada fácil, ya que tuvo que trabajar al servicio de nobles y prelados hasta que decidió convertirse en músico independiente. Logró entonces un gran éxito, que luego fue decayendo, terminando pobre y olvidado. Además de ser uno de los músicos más apreciados y más escuchados, Mozart es también uno de los más prolíficos en cuanto al número de sus creaciones. Aunque su obra no fue especialmente innovadora, es ingente y se considera excepcional por su perfección y por la variedad de ámbitos y de estilos en los que compuso. La obra de Mozart incluye tanto música instrumental como vocal. Compuso más de 300 obras orquestales y de cámara, incluyendo sus conocidas sinfonías, entre las que destacan en especial las últimas, 38, 39, 40 y 41, que se interpretan con frecuencia. Sus originales conciertos fueron un referente para el Romanticismo. Por otra parte, su catálogo incluye más de 200 obras vocales, además de sus conocidas 23 óperas. Dentro de la variedad de la música de Mozart destaca su dedicación a la ópera. En la época del Clasicismo, Mozart se convirtió en la gran figura de la ópera, logrando crear su propio estilo, integrando las corrientes italianas, alemanas y francesas. Compuso óperas de diversos tipos, entre las que tuvo especial éxito, dentro del estilo dramático, Don Giovanni, que incorpora además un especial tratamiento de la orquesta. Mozart constituye, junto con Haydn, la columna vertebral del Clasicismo, época en la que se establecieron formalmente las estructuras de la música clásica, mediante directrices de composición. Posteriormente, estas normas servirían de referencia para el Concierto y la Sinfonía, además de la mencionada innovación en la Ópera. Por otra parte, la figura de Mozart como primer músico independiente, daría paso a la futura generación de músicos del Romanticismo, encabezados por el propio Beethoven. Es difícil elegir un género determinado para recomendar una grabación sobre Mozart, puesto que su catálogo musical incluye una enorme variedad y cantidad de obras. Hemos escogido una grabación de su música instrumental, que incluye dos de sus últimas sinfonías, la 40 y la 41, y que cuenta con la excepcional interpretación de la Orquesta Filarmónica de Berlín, dirigida por Herbert von Karajan. MOZART, EL GENIO PRECOZ El rincón de la música clásica J.M. Martínez Adrados

BOYHOOD (MOMENTOS DE UNA VIDA), Dirección: Richard Linklater, 2014 Una semana de rodaje al año, durante 12 años para dejar constancia fílmica del crecimiento de un niño de los 6 a los 18 años, desde su infancia a la adolescencia y el inicio de la madurez; así puede definirse este experimento cinematográfico de un director artísticamente obsesionado con retratar el paso del tiempo y, sobre todo, las emociones tan especiales que se experimentan desde la niñez hasta convertirse en un joven adulto moldeado por el paso del tiempo. El proyecto inicial preveía 120 minutos de metraje, a razón de 10 minutos por cada año de filmación, que se iban montando año a año y se rodaban en 35 mm para mantener la unidad formal. Sin embargo, conforme iban transcurriendo los años la propia película pidió más tiempo por año de modo que la duración prevista se vio incrementada en 45 minutos. No es un documental, es una ficción sobre la evolución física real de unos personajes que componen una familia en la que los años se van sucediendo, sin fundidos, ni carteles introductorios, ni voces fuera de campo y en la que el espectador se acaba incorporando como uno más para participar de los momentos de esa historia humana, sencilla y conmovedora en la que no puedes evitar si no verte reflejado, pues en esto cada uno tiene su mundo aparte, sí evocar, revisar, aquellos años que estás viendo proyectados en la pantalla. INTERSTELLAR, Dirección: Christopher Nolan, 2014 Una pantalla de cine de gran formato (PLF, Premium Large Format, en inglés) es un producto tecnológicamente superior cuyo crecimiento se apalanca en el estancamiento del 3D y despega propulsado por el evidente incremento de los ingresos, la competencia, la necesidad de elevar el nivel sobre el entorno doméstico y, sobre todo, el esfuerzo por presentar la experiencia cinematográfica más novedosa. Esta tendencia ha alcanzado un nuevo hito en EE.UU. al superar por primera vez el PLF (374 pantallas) al Imax digital (360), datos del 29 de septiembre de 2014. Y así el patio llega Interstellar, moviéndose majestuosamente por el espacio tridimensional determinado por la exhibición comercial, la explotación medioambiental y la relación interpersonal: “Antes mirábamos hacia arriba preguntándonos cuál sería nuestro lugar en las estrellas, ahora miramos hacia abajo angustiándonos por cuál será nuestro lugar en la Tierra”. Nolan renueva el género mezclando la trama familiar de un padre con su hija con planteamientos intergalácticos, rigurosamente científicos, de los que surgirán nuevas y bellísimas relaciones emocionales, demostrando una vez más su deslumbrante capacidad para crear imágenes potentes, atmósferas carismáticas y universos detallistas. Un PLF para certificar que “el amor es lo único que trasciende el tiempo y el espacio”. Grandiosa en todos los sentidos. ORÍGENES, Dirección: Mike Cahill, 2014 “¿Tú, en qué crees?. Soy científico, creo en los datos. Y, ¿qué investigas?. Biología molecular, siento una especial fascinación por el ojo. Los ojos. Y, ¿porqué?. El ojo es el punto de conflicto que la gente religiosa utiliza para desacreditar la evolución... lo utilizan como prueba de un creador inteligente. Quiero zanjar la discusión de una vez por todas con... claros y concisos datos.” Este fragmento de diálogo nos abre los ojos a cómo se llevó el premio a la mejor película del festival de Sitges 2014. Cahill comenta que la idea le sobrevino cuando 12 años atrás empezó a investigar sobre la biométrica del iris y leyó que todos los ojos son únicos como las huellas dactilares. Añadamos la referencia de Séneca "Los ojos son el reflejo del alma" y el gen inspirador de la historia de Sharbat Gula, la joven afgana que fue portada de National Geographic en 1985, y reencontrada en 2002, gracias a sus espectaculares ojos. Todo ello presentado con una cámara serena y atenta, a modo de ojo imparcial, da como resultado un fascinante juego de miradas que se cruzan mientras recorren el debate evidente entre ciencia y espíritu. El director opina que “detrás de cada gran hombre hay una mujer, o dos"; de ahí que nos muestre las dos historias de amor del protagonista que, como el ojo, evolucionan con el tiempo: inicialmente el que te arrastra como un huracán haciéndote sentir la calma en su ojo y luego el amor sólido como una montaña que te conquista día a día y que inspirador te guía. Hay que quedarse hasta después de los títulos de crédito pues nuestros ojos aún han de ver 30 segundos más. Cine Atanasio Carpena Martín Ocio y + 3Ocio y + El milenario monasterio de Leyre está situado en pleno Prepirineo Navarro, entre los comienzos de los valles del Roncal y Salazar. Es un lugar privilegiado donde se encuentra la tranquilidad propia de la naturaleza y de los hermosos paisajes que podemos contemplar. A sus pies se sitúa el pantano de Yesa que cubre parte de la Foz de Lumbier y al otro lado del pantano las montañas de Sos. Desde aquí pueden verse, en el horizonte, el Pirineo y Prepirineo Aragonés en el que cabe destacar la imponente silueta de la Peña Oroel. Al sur, en el horizonte, podemos distinguir Ujué e incluso, en días claros, las sierras de la Ibérica (que si preguntas a la gente del lugar, te dirán: “se ve Castilla”). Además de los hermosos paisajes podremos disfrutar de su arquitectura, arte e historia. No es el fin de esta reseña el detallaros la historia del monaterio pero bien vale la pena indicar que su fundación data de los tiempos de los primeros reyes de la dinastía Iñigez del reino de Pamplona (precursor del reino de Navarra) siglo IX. Se puede decir que su fundación es debida, sobre todo, a la expansión monacal de la orden Benedictina y más tarde, la Cisterciense. Aunque su existencia en los tiempos actuales es más bien un empeño de preservar la identidad navarra porque después de más de 100 años de total abandono, después de la desamortización de Mendizabal, hubo que recuperar el monasterio en ruinas, llamando de nuevo a la orden Benedictina para que se hiciera cargo del mismo. El monasterio conserva todavía la antigua fábrica románica de la que destaca su cripta y los ábsides del templo principal pero también tiene componentes góticos como la nave central del templo aunque yo no soy el más indicado para explicarlo y os recomiendo hacer la visita guiada que realmente os permitirá disfrutar del lugar en el que nos encontramos. También resulta imprescindible asistir a alguno de los oficios litúrgicos, los cuales son cantados en gregoriano por los monjes. Yo quiero además recomendaros algunos de los paseos que podemos realizar desde el monasterio. Uno de ellos es la visita a la fuente de San Virila. Este santo parece ser que nació en el siglo X, que llegó a ser abad del monasterio benedictino y que pensaban que había muerto mártir en una de las incursiones de Abderramán III. Pero sin embargo ya en el siglo XII, un monje bajó de las montañas vestido con el hábito negro de los benedictinos y se encontró con que los monjes llevaban el hábito blanco de los cistercienses (hay que indicar que los cistercienses eran más austeros y no gastaban ni en tinte para la ropa). El monje se identificó como Virila, abad del monasterio y pudo comprobarse que hacía 300 años había desaparecido. Pues bien, la llamada fuente de San Virila es el lugar donde se supone que el santo pasó esos 300 años contemplando como cantaba un ruiseñor. Yo estuve allí un cuarto de hora pero me gustaría haberme podido quedar más tiempo. A ver si vuelvo. Es cierto que para visitar Leyre podemos llegar desde Pamplona que está a una media hora de viaje y que la visita puede ser en el día pero bien merece la pena pasar aquí varios días pues hay posibilidad para ello en su hospedería. Excursión EL MONASTERIO MILENARIO DE LEYRE Julián Fernández Navajas Ocio y + 3 Vinos ELa llamada Ribeira Sacra es la comarca entre Orense y Lugo que alberga los escarpados paisajes donde se unen el Miño y el Sil, Puedo asegurar a quien no la conozca que bien merece una visita, tanto por su impresionante naturaleza, con bosques y barrancos sobre los ríos, como por su riqueza en arquitectura religiosa románica (la importancia de sus monasterios es el origen del nombre), y por el interés de su gastronomía y de sus vinos. De éstos vamos a hablar aquí. No sabemos cuándo se introdujo la vid en estos lugares, pero sí que ya existía en la época romana y que en la Edad Media los numerosos monjes se encargaron de favorecer su cultivo y la elaboración del vino. En el clima atlántico de Galicia una buena maduración de las uvas necesita aprovechar al máximo la exposición al sol, principalmente aquí en bancales prácticamente colgados en las pendientes orientadas al sur de los cañones sobre el río Sil. El trabajo en estas pendientes, que llegan al 80%, requiere esfuerzos y hasta acrobacias que justifican su catalogación oficial como “viticultura heroica”, sólo atenuada en algunos viñedos por sistemas de elevación por carriles. Aunque también produce algunos buenos blancos de uva godello, la Ribeira Sacra se diferencia de las otras cuatro denominaciones de origen gallegas (Monterrey, Rías Baixas, Ribeiro y Valdeorras) por el claro predominio de uvas tintas, sobre todo de la variedad mencía, la misma que predomina en el Bierzo leonés. Los tintos que resultan son los más interesantes de Galicia, menos ácidos y más frutosos que la mayoría de los otros. Suelen embotellarse jóvenes o con ligeras crianzas en madera y acompañan bien a los platos populares, como el pulpo, el lacón, los potes o las empanadas. Hay datos sobre el aprecio de estos vinos en la Roma imperial, y actualmente la denominación de origen reúne a unas noventa bodegas, desde el empeño de la primera, Rectoral de Amandi, cuyo nombre recuerda a la parroquia del siglo XVII junto a la que se ubicaron los viñedos de los que se obtiene un vino sabroso e intensamente violáceo. La buena elaboración ya desmiente el tópico de que los vinos gallegos pierden si se sacan de su tierra, pero sigue siendo cierto que beberlos allí es un plus. VITICULTURA HEROICA Manolo Gamella 3Ocio y + Alo largo de la historia de la música se ha intentado, en varias ocasiones, describir mediante una composición musical determinadas visiones de la realidad, como son los elementos de la naturaleza, la pintura figurativa, las actividades humanas, etc. Este intento de expresión ha dado lugar al concepto de música descriptiva o programática. Si bien en un principio se habló de música descriptiva al referirse a la representación de la realidad visible, fue a mediados del siglo XIX cuando Franz Liszt generalizó este concepto, introduciendo el término de música programática para definir aquella que se ha compuesto, con carácter narrativo o descriptivo, a partir de una idea o argumento. La polémica sobre si la música puede o no puede describir aspectos del mundo real ha estado presente no sólo entre los compositores, sino también entre los aficionados, el mundo de la crítica, e incluso entre los filósofos. La duda sigue vigente, pues aunque ciertas composiciones transmiten sensaciones relacionadas con la realidad, se trata de sentimientos subjetivos que no todo el mundo percibe de igual forma. Uno de los ejemplos de referencia en la descripción mediante la música, y tal vez el más conocido, es la creación por parte de Beethoven de su sexta sinfonía, conocida como Pastoral, en la que se exponen, más que la descripción de fenómenos naturales, los sentimientos ante la contemplación de la naturaleza. El propio autor indica un programa que incluye, por ejemplo, la Escena al borde del arroyo o la Tempestad. Otra referencia muy conocida es la composición, por parte de Gustav Mahler, de su primera sinfonía, conocida como Titán, en la que también trata de describir escenas de la naturaleza, relativas a los animales y la caza, incluyendo su famosa marcha fúnebre que describe, al parecer, el entierro del cazador por parte de los animales del bosque. Aparecen también, como composiciones características de la música programática, los poemas sinfónicos, tanto en el periodo romántico como a partir del impresionismo, en especial en algunas obras de Claude Debussy, uno de los grandes renovadores de la música. Son conocidas obras suyas como El mar o el Preludio a la siesta de un fauno. Merece mención especial, en la creación de música descriptiva, el intento de Modest Mussorgski con los Cuadros de una Exposición. La obra comienza con un paseo, repetido luego varias veces, representando a un visitante que recorre una exposición de cuadros y se para delante de cada uno para observarlo. En cada parada, la música va describiendo cada uno de los once cuadros visitados, a intervalos con el paseo. Aunque la composición de los Cuadros fue hecha para piano, hoy es más conocida por la orquestación posterior que realizó Maurice Ravel. Para una recomendación sobre la música descriptiva, proponemos una grabación que incluye tanto la versión original de los Cuadros, para piano, como la versión orquestal de Ravel. MÚSICA DESCRIPTIVA Y PROGRAMÁTICA El rincón de la música clásica J.M. Martínez Adrados

Cine THE IMITATION GAME, Dirección: Morten Tyldum, 2014 “Descifrando enigma” ha sido el subtítulo elegido aquí para la puesta en pantalla del libro de Andrew Hodges (Alan Turing: The Enigma, 1983). El biógrafo ha expresado su indignación ante una adaptación que parece considerar insulsa la historia de un genio reclutado en secreto por el contraespionaje británico, que luego es perseguido y juzgado por sus preferencias sexuales por el mismo gobierno al que sirvió y ayudó a ganar la guerra y que acaba suicidándose comiendo una manzana envenenada tras haber sentado las bases de los ordenadores modernos. La historia se nos proyecta adobada con una pizca de romance, conflictos y espías rusos que nunca existieron pero todo ello queda minimizado por la soberbia interpretación de Benedict Cumberbatch en la bien resuelta intercalación de tres selectas etapas de la vida de Turing a partir de un sugerente inicio que recuerda el de “Blade Runner” (1986, Ridley Scott) y que no deja de ser un guiño al “Test de Turing”, o cómo descubrir qué, o a quién, tenemos delante a base de preguntas o de respuestas. La frase a recordar: "A veces la persona que nadie imagina capaz de nada es la que hace cosas que nadie imagina". CHAPPIE, Dirección: Neill Blomkamp, 2015 “Soy consciente. Soy real”. Parece ir de inteligencia artificial pues trata de un robot policía que se salva del desguace para, con su batería a punto de agotarse como seguridad pasiva, ser el conejillo de indias de un creador que ha compilado sin errores la semilla informática que una vez implantada le faculta, tras un periodo de aprendizaje como cualquier niño humano, para tomar conciencia propia y, como cualquier inteligencia terrena, renegociar las dudas morales para trascender y seguir vivo. Pero los factores circunstanciales de tiempo y lugar y el gusto del destino por el humor negro resuelven que los padres y allegados de esta inteligencia infantil en cuerpo de robot policía sean un grupo de delincuentes que lo han robado a su creador. “Soy Chappie”. Todo apunta a que el director busca plantear qué es lo que nos hace humanos en una sociedad cada vez más deshumanizada. Sin embargo, el cartel alumbra otra perspectiva, confirmada tras el visionado: el coleguita también trata sobre la 'infancia robada' de todos esos niños que por factores circunstanciales de tiempo y lugar blanden un fusil en vez de un lápiz carbón. "Es como un niño, tiene que aprender". Con Chappie, Neill Blomkamp, nacido en 1979, rinde tributo a dos tótemes de su, y nuestra, infancia: "Cortocircuito" (1986, John Badham) y "Robocop" (1987, Paul Verhoeven). Y lo hace justo cuando la figura de Alan Turing está en cartelera, bien directamente por su tardío reconocimiento social ("The imitation game", 2014, Morten Tyldum), bien indirectamente por su trascendencia y singularidad ("Transcendence", 2014, Wally Pfister) o, indiscutible y simultáneamente, por su contribución de forma particular ("Autómata", 2014, Gabe Ibáñez) e incluso provocativa al enigma de si las máquinas pueden pensar ("Ex_Machina", 2015, Alex Garland). EX_MACHINA, Dirección: Alex Garland, 2015 El guión bajo es un carácter que se usaba en las máquinas de escribir para subrayar palabras. Actualmente es utilizado en informática para sustituir el espacio en blanco en aplicaciones y sistemas que no pueden llevar un carácter espacio. De ahí que forme parte del título de esta historia de un joven que gana un concurso cuyo premio es pasar una semana con el director ejecutivo de un importante buscador en Internet. El joven llega convencido de que es una opción para un ascenso pero descubre que está allí para formar parte de un experimento informático sobre inteligencia artificial y acabar atrapado en esta singularidad. Punto de partida: si creáramos una conciencia dentro del cuerpo de una máquina, esa máquina tendría los mismos derechos que nosotros. ¿Qué ocurre si mantienes recluida a esa máquina contra su voluntad?. ¿La inteligencia, como la vida, se abre camino a toda costa?. Las respuestas a ambas, y otras posibles, cuestiones se derivan del título de este estudio sobre lo que significa ser una persona, sobre el significado del pensamiento, sobre la idea de tener una conciencia. Atanasio Carpena Martín Ocio y + Después del parón por la edición del número 200 de Bit, aquí estamos de nuevo dispuestos a llenar de buenos paseos otros 100 números más. Y que mejor excusa para hablar de excursiones que contaros la historia de un bastón. Un bastón que incluso después de que su dueña ya no lo utilice, todavía sigue viajando por el mundo como muestra y testigo mudo de todos los caminos que recorrió. Y este buen bastón nos lleva hasta Ávila, lugar del que quiero hacer la reseña para este número. No es muy habitual que proponga excursiones a ciudades pero este año es de obligado cumplimiento su visita porque con motivo del 500 aniversario del nacimiento de Santa Teresa, la ciudad se ha engalanado para recibirnos. Tantísimos son los lugares que visitar que confío en no dejarme ninguno de los más representativos y confío más aún en vuestra comprensión si olvido alguno importante. Y como no podría ser de otra forma, comencemos por las murallas. Ponerme yo a contar cosas sobre la muralla es demasiado pretencioso por mi parte así que lo mejor es haceros alguna recomendación que podáis consultar. Existe una página: http://muralladeavila.com en la que se puede encontrar la información suficiente para conocerlas a fondo y prepararnos para disfrutar mucho más de un recorrido por sus lugares más representativos. Otro lugar de visita obligada es la catedral, con algunas características que la hacen singular. En primer lugar es la catedral gótica más antigua, construida con piedra de tonos rojizos, lo que llama la atención si se han visitado otras catedrales similares. Resulta bastante luminosa pero mejor es verlo y no que nos lo cuenten. Al lado se encuentra la basílica de San Vicente y la parroquia de San Pedro que habrá que visitar. Por supuesto habrá que acudir a los conventos de la Encarnación, de San José y de Santa Teresa. Ambos especialmente adecuados para la visita a Ávila en este año teresiano. Pero si una visita no puede faltar es a los cuatro postes, donde cuenta la tradición que encontraron a Teresa y a su hermano cuando iban a tierras de martirio. Merece la pena acudir porque desde allí se tiene las mejores vistas de Ávila con sus murallas y los alrededores. Si tenemos la oportunidad debemos ir también de noche porque la iluminación artificial le da una apariencia bellísima a la ciudad. Creo que también merece la pena ir el convento de Santo Tomás o la Plaza Mayor o tantas cosas más que seguro que en un día es imposible visitarlas todas. O bien nos quedamos varios días o bien habrá que volver. He comenzado la reseña hablando de un bastón, que ha viajado por tantos lugares, a muchos de los cuales me gustaría ir y que confío no tardar mucho en visitar. Bien se, que no llegaré a todos porque ha recorrido 30 países de los cinco continentes. Termino comentando lo que sucedió cuando llegó a Roma y se lo presentaron al Papa Francisco; éste exclamo: “¿y la vieja caminaba con esto? Pues nada, a ver si nos hacemos con un buen bastón y caminamos hasta hacernos viejos pero me da la impresión de que “la vieja” también tenía fe y eso es lo que le hacía caminar aunque necesitara un bastón. Excursión ¿QUÉ HACE FALTA PARA UNA BUENA EXCURSIÓN? UN BUEN BASTÓN Julián Fernández Navajas Vinos La gran diversificación de cepas cultivadas de vitis vinifera (cientos o miles, según los criterios que se usen) se explica por el empeño de los viticultores del Viejo Mundo durante milenios para seleccionar en sus plantaciones esquejes de vides cuyas características permitieran obtener buen vino en cada suelo y clima donde fuera posible. Sin embargo la globalización comercial y de costumbres avanza también ahora en esto impulsada por el trasplante a nuevos países (Argentina, Chile, California, Suráfrica, Australia, Nueva Zelanda…), y por deseos de variedad en los países tradicionales. En España podemos ver ya como en las etiquetas de muchos de nuestros vinos de gama media y alta aparecen cada vez más términos franceses para tintos y blancos, o alemanes para algunos blancos. Los motivos aquí son dobles: aportar otras características que diversifiquen la oferta creando nuevos gustos, y aprovechar el tirón comercial de cepas con prestigio internacional. No es cuestión de exagerar el nacionalismo en estas y otras cosas, pero sí de ser conscientes de que, como ya hemos dicho, las vides están adaptadas a climas y suelos particulares, y hay que tenerlo en cuenta al trasplantarlas a otras tierras, y saber que los resultados serán normalmente vinos diferentes de los originales, aunque mantengan caracteres básicos de cada variedad. Por citar las más frecuentes de estas emigraciones, cabe esperar que las variedades tintas cabernet sauvignon, merlot, malbec y petit verdot se aclimaten bien en los entornos más parecidos a Burdeos de donde proceden. También viene de Burdeos la cabernet franc, estimada allí por su buen rendimiento en los años frescos. Más frío aún es el ambiente propio de la pinot noir de Borgoña, pero más cálido el del valle del Ródano origen de la syrah (que se supone que pudo llegar hace siglos de Shiraz en Persia). Para vinos blancos las cepas de sauvignon blanc y las de chardonnay tienen origen bordelés y borgoñón, respectivamente. Más raramente y con más difícil aclimatación se cultivan aquí algunas cepas de riesling del Rhin, o gewürztraminer de Alsacia. El resultado son otros vinos, ya sean de un solo tipo de uva (varietales) o de varios (coupages). Bienvenidos sean cuando lo merecen, sin que esto signifique ningún desprecio a las uvas ya adaptadas a nuestras tierras desde siglos. UVAS EXTRANJERAS Manolo Gamella La Tonalidad ha sido una de las señas de identidad de la música europea desde la época del Barroco. Este sistema formal de composición, basado principalmente en la contraposición de los grados tonales de tónica y dominante, se consolidó en el siglo XVIII como referencia clásica, si bien la música tonal se había utilizado anteriormente. El concepto de tonalidad es familiar para los seguidores de la música clásica. Como es sabido, para reconocer la tonalidad de una obra hay que observar, como primera referencia, la armadura que aparece en el pentagrama al comienzo de la composición, aunque el carácter mayor o menor de la obra, así como la evolución de la tonalidad, hay que determinarlos a partir de los acordes utilizados en la armonía de la obra. En el sistema de referencia tonal se establecieron, de forma general, 24 tonalidades, 12 mayores y 12 menores, que se corresponden con las 12 notas de la escala cromática, tal como sugirió Johan Sebastian Bach en El Clave Bien Temperado. El sistema de tonalidades se impuso durante el Clasicismo, se utilizó ampliamente en la época del Romanticismo, e incluso se ha seguido utilizando posteriormente. Sin embargo, ya en pleno siglo XIX, algunos compositores románticos empiezan a encontrar demasiado estricto el sistema de tonalidades y emprenden un nuevo camino en búsqueda de sistemas sustitutorios. Son Liszt y Wagner los primeros en apuntar estos cambios en alguna de sus composiciones, iniciando un proceso que conduciría, a comienzos del siglo XX, a la disolución de la tonalidad en su sentido clásico Fueron algunos compositores franceses de finales del XIX, encabezados por Claude Debussy, los que, siguiendo la tendencia de Liszt y Wagner, abordaron abiertamente una nueva forma de componer, sin tonalidad, buscando una representación más libre de la música, como lo hicieron los impresionistas en la pintura. De aquí que se les haya designado con frecuencia como músicos impresionistas. En esta tendencia impresionista hay que citar, Junto con Debussy, a Maurice Ravel y a otros compositores europeos que se fueron uniendo a la tendencia atonal. Entre ellos destacan Alban Berg, Anton Webern y, sobre todo, Arnold Schoenberg, que ha quedado como referente principal de la disolución de la tonalidad, introduciendo la idea de la música expresionista. A ella se incorporaron grandes músicos del siglo XX, sobre todo, Igor Stravinsky, tras su polémico estreno de La Consagración de la Primavera. Sobre la época impresionista se pueden hacer muchas y variadas recomendaciones, pero parece obligada la referencia de Claude Debussy, de cuyo catálogo musical hemos elegido una de las obras más conocidas, el Preludio a la Siesta de un Fauno, que se incluye como referencia en una grabación que incluye también La Mer y que fue realizada por la Orquesta Nacional de la ORTF, dirigida por Jean Martinon. LA DISOLUCIÓN DE LA TONALIDAD El rincón de la música clásica J.M. Martínez Adrados